In einem seiner berühmtesten Songs schrieb Stephen Sondheim über die Herausforderung, Kunst zu schaffen: „Nur eine Vision zu haben, ist keine Lösung/Alles hängt von der Ausführung ab/Die Kunst, Kunst zu machen, besteht darin, sie zusammenzusetzen.“
Aber was ist, wenn man als aufstrebendes Talent die Vision, die Umsetzung hat, es einfach so auf die Reihe kriegt und es trotzdem nicht in die Kunstwelt schafft? Das ist in mancher Hinsicht das Dilemma, das in der Dokumentation untersucht wird Die Kunst, es zu machen, die im Rahmen der virtuellen Veranstaltungsreihe „For the Love of Docs“ von Deadline stattfand. Es untersucht ein Kunstökosystem „am Rande des Zusammenbruchs“, wie die Filmemacher es ausdrückten, eines, das extrem wohlhabenden Galeristen, superreichen Sammlern, Museumsdirektoren, ein paar „namenhaften“ Künstlern dient, aber jungen Künstlern Schwierigkeiten bereitet, sich zu etablieren und Karriere sichern.
„Mir wurde klar, wie herausfordernd es ist und wie es auf den höchsten Ebenen der Kunstwelt so aussieht, als würde Kunst typischerweise eher als Ware und weniger als Ort des Ideenaustauschs diskutiert“, bemerkte Regisseurin Kelcey Edwards während einer anschließenden Podiumsdiskussion die Vorführung. „Ich begann mir Sorgen zu machen, dass diese Künstler, die versuchten, sich auszudrücken und einen wichtigen kulturellen Dialog über einige der dringendsten Probleme unserer Zeit zu fördern, auf die Unhaltbarkeit ihrer Bemühungen und so viele Eintrittsbarrieren stießen .“
Eines der einzigen Tickets zum Erfolg für begabte, aber unbekannte Künstler ist ein MFA-Abschluss an einem Ort wie der Yale University, die saftige Studiengebühren verlangt. Trotz der unerschwinglichen Kosten enden die Absolventen tatsächlich mit einem Lotterielos mit geringen Auszahlungschancen.
„Wir hatten gehofft, ein Licht auf Menschen zu werfen, die verrückt genug sind, all diese Schulden zu übernehmen und all diese Bildung zu erhalten. Und selbst mit einem Abschluss an einer Schule wie Yale lag die Chance, es zu schaffen – was in unseren Augen darin bestand, sich selbst zu ernähren und das zu tun, wofür man ausgebildet wurde – bei weniger als 5 Prozent“, bemerkte Produzentin Debi Wisch. „Ich denke, es würde Ihnen schwerfallen, einen anderen … nichtlinearen Beruf zu finden, bei dem die Chancen, es zu schaffen, so zufällig und riskant sind.“
Die Filmemacher interviewten eine Reihe von Künstlern, Kunstkritikern, Professoren, Kuratoren, Galeristen, Kunsthändlern, Sammlern und Museumsdirektoren, um ein Porträt einer abgeschotteten Welt zu zeichnen. Der Film untersucht viele Themen, einschließlich des Zwecks von Museen (ein 18th Jahrhundertidee, die der heutigen Gesellschaft vielleicht nicht dienlich ist, schlägt der Dokumentarfilm vor), der Mangel an öffentlicher Finanzierung für die Kunst, wohlhabende Sammler, die Kunst kaufen und sie der Öffentlichkeit entziehen, und Galeristen, die Museumsvorständen beitreten, was vielleicht einen Konflikt darstellt Interesse, weil sie die Tore an zwei Einstiegspunkten zum Erfolg besetzen.
Die Vielfalt der Stimmen stellte Redakteurin Nyneve Laura Minnear vor eine Herausforderung beim Geschichtenerzählen.
„Es waren 38 Interviews, so etwas in der Art, diese entmutigende Aufgabe des Zusammenwebens“, erklärte Minnear. „Ich bin mit der Kunstwelt nicht so vertraut – abgesehen davon, dass ich ein Kunstliebhaber bin und Museen besuche – aber durch die Interviewer selbst etwas über die Probleme zu erfahren, ist eine Art Prozess, den wir, Redakteure, gerne als archäologisch bezeichnen Prozess, eine Ausgrabung von Ideen, und wie fängt man an, Verbindungen und Muster zu sehen und zu sehen, wie das Filmmaterial für sich selbst spricht?
Minnear sagte, das Kreativteam hinter dem Dokumentarfilm habe sich eine schwierige Aufgabe gestellt (wie Sondheim schrieb), „es zusammenzustellen“.
„[We came] mit dieser Methode, bei der jede Szene drei Dinge tun musste: Sie musste uns helfen, uns in die Kunst und die Künstler zu verlieben, uns überraschen und etwas Neues sein, das Sie nicht unbedingt über die Kunstwelt wussten, und unterhaltsam sein“, sagte Minnear sagte. „Das Tempo, diesen Weg zu finden, es unterhaltsam zu gestalten, während man gleichzeitig viele Informationen verdaut, war sehr, sehr herausfordernd.“
Edwards kam mit einem idealen Hintergrund zum Film. Ihr Vater war Museumskurator und in ihren Zwanzigern gründete sie selbst eine gemeinnützige Kunstgalerie in Austin, Texas. Im Laufe der Zeit hat sie einige positive Veränderungen in der Kunstwelt gesehen, aber nicht genug.
„Es gibt mehr Rechenschaftspflicht und Transparenz als theoretisch“, kommentierte Edwards. „Allein die Tatsache, dass ein Film wie dieser gedreht und gesehen wird, ist wichtig … Eines der größten Dinge, die mir in meinen Interviews aufgefallen sind, war, wie erleichtert alle waren, über diese Dinge zu sprechen. Es war greifbar … Die Menschen brannten darauf, diesen Schleier zu lüften. Ich denke, die Kunstwelt hat auf komische Weise die Nase voll von sich selbst, weil sie problematisch und widersprüchlich und ungerecht und ungerecht ist.“
Edwards fügte hinzu: „Ich denke, die Leute beschäftigen sich mit der oberflächlichen Art von Schichten [the art world] versuchen, sich selbst herauszufinden, wie können wir es besser machen, wo haben wir uns überhaupt in all das verliebt? Es ist ein langer Weg.“
Die Kunst, es zu machen stammt von Wischful Thinking Productions in Zusammenarbeit mit der Artemis Rising Foundation, Be Forward Productions und Iron Gate East Productions. Sehen Sie sich oben das vollständige Gespräch mit den Filmemachern an.
For the Love of Docs zeigt jeden Dienstagabend bis Dezember einen neuen Dokumentarfilm. Unsere virtuelle Veranstaltungsreihe wird präsentiert von National Geographic.