Während eines einstündigen Spaziergangs durch London können Sie einen Crashkurs über die Arbeit von Nick Hornby absolvieren. Der Künstler hat drei permanente Skulpturen in der ganzen Stadt installiert, Metallsilhouetten, die zunächst vertraut wirken, sich aber je nach Blickwinkel verändern. In St. James wird sein siegreicher Reiter, der Richard I. nachempfunden ist, beim Kreisen zu einem amorphen Kringel; während er in Kensington war, seine Interpretation von Caspar David Friedrichs Wanderer wird abstrakt; und eine Büste der Nofretete dient gleichzeitig als Albert Memorial.
Das Trio wirft Fragen zur Macht und zur Rolle des Denkmals auf und ist eine clevere Kombination aus Handwerk und Konzept. Sie sind auch Meisterleistungen digitaler Innovation. Der Reiter beispielsweise begann als digitales Modell, das in Python geschrieben wurde. Anschließend wurde es in einzelne Komponenten ausgerollt, aus Metall lasergeschnitten und dann von den Herstellern zusammengebaut. „Es war eine schöne, nahtlose Verbindung zwischen Konzept, digitalen Prozessen und mechanischen Fertigungen – 165 Teile wurden zu dem sechseinhalb Tonnen schweren Objekt verarbeitet“, sagt Hornby aus seinem Studio im Nordwesten Londons. „Aber wenn die Leute es betrachten, sehen sie das überhaupt nicht.“
„Ich denke gerne, dass eines der charakteristischen Merkmale meiner Arbeit darin besteht, dass sie die Fantasie von jedem anregen soll, nicht nur in der Kunstwelt. zu versuchen, komplizierte Ideen in einfachem Englisch anzusprechen. Jeder wird das Motiv des Mannes auf dem Pferd erkennen und darauf reagieren, wie ich es manipuliert habe.“
Diese Art technisch-konzeptioneller Zauberei ist Hornbys Visitenkarte. Er bevorzugt den Bildschirm gegenüber dem Skizzenblock und nutzt 3D-Modellierung als Grundlage für abstrakte Skulpturen, die sich auf den kunsthistorischen Kanon beziehen und Vorstellungen von Autorschaft in Frage stellen – verzerrte Mashups von Werken von Hepworth, Brancusi, Rodin und anderen; das Profil von Michelangelo David zu einem einzigen Punkt extrudiert, nur von oben lesbar.
Er begann schon in jungen Jahren damit, in der Schule lebensgroße Terrakottafiguren zu erschaffen, während seine Klassenkameraden an einfacheren Töpfen arbeiteten. „Aber dann ging ich zur Kunsthochschule und es war so, als ob ich keine Nachahmung von Rodin machen wollte. Ich wollte Teil der Zukunft sein. Ich wollte innovativ sein“, sagt er. „Also bin ich auf Technologie umgestiegen.“
An der Slade School of Fine Art in London, wo er sich Ende der 1990er Jahre einschrieb, blühte Hornby in der neuen Welt auf. Es gab Vorstöße in die Videobranche; ein Semester am Art Institute of Chicago, wo er sich dem Künstler-Hacker-Kollektiv Radical Software/Critical Artware anschloss; und musikalische Experimente mit MAX MSP, der objektorientierten Programmiersprache, die Radiohead Anfang der 2000er Jahre verwendete. Doch erst als er in seinen Dreißigern einen Master machte, nahm seine Karriere ihre heutige Form an.
„Mein Verhältnis zur Technik hat sich tatsächlich grundlegend verändert“, sagt er. „Ich war ziemlich frustriert, wenn Leute sagten: ‚Wow, das ist wirklich cool.‘ Wie hast du es gemacht?’ weil ich diese Frage wirklich langweilig finde. Ich interessiere mich viel mehr für die Frage: ‚Was bedeutet das?‘“ Hornby habe also im letzten Jahrzehnt „jede Form menschlicher Subjektivität“ beseitigt, sagt er. Die Drähte und Schirme waren verdeckt, die rauen Kanten mit Laserpräzision gelöscht. Umso besser ist es, inhaltliche statt prozessuale Fragen einzubeziehen.