Der nigerianische Künstler Ken Nwadiogbu über Migration, afrikanische Kunst und die Arbeit mit Burna Boy

Zurück zu Hause NigeriaDer Gedanke, ein Migrant zu sein, kam dem 29-jährigen multidisziplinären Künstler Ken Nwadiogbu nie in den Sinn.

Erst als ich die Grenzen Afrikas verließ und nach London zog, wurde mir klar, dass ich ein schwarzer Mann, ein afrikanischer Mann bin.

„Es gibt diese entmenschlichende Mentalität, wenn Menschen einen Einwanderer sehen, die aus den Nachrichten, sozialen Medien und neuen Medien kommt, in denen über Migration gesprochen wird“, teilt Nwadiogbu Euronews Culture mit.

„Derzeit sehe ich eine große Diskussion, die dadurch entstehen kann, dass ich ein Einwanderer bin. Ich möchte dieser Diskussion meine Stimme verleihen – auf eine Art und Weise, den Menschen die Migration aus meinem Kontext zu zeigen. Ich möchte die Wahrnehmung der Menschen darüber ändern, wie sie sehen.“ Einwanderer und wie Menschen sehen, wie Afrikaner von Afrika in andere Teile der Welt ziehen.

Nwadiogbus Weg in die Welt der Kunst, der dafür bekannt ist, dem Hyperrealismus einen zeitgenössischen Touch zu verleihen und sich mit Themen wie Migration, schwarzer Identität und gesellschaftspolitischer Kontrolle auseinanderzusetzen, begann zunächst in Lagos und breitete sich dann weltweit aus.

Er hat Kunstwerke für den Afrobeats-Superstar geschaffen Burna Boynahm an einer Ausstellung für die letzte Staffel der Erfolgsserie auf Netflix teil Spitzenjungeund wird seine Arbeiten demnächst auf der ART SG, der führenden internationalen Kunstmesse Südostasiens, präsentieren (vom 19. bis 21. Januar 2024).

Wir trafen den fröhlichen und entspannten Künstler aus seinem Studio im Süden Londons, wo er derzeit an seiner neuesten Serie arbeitet: Journey Mercies: Eine Migrationssymphonie. Zwischen Skizzieren, Malen und Tanzen zu seinen Melodien sprach Nwadiogbu über seine Erfahrungen als Migrant im Vereinigten Königreich, seinen künstlerischen und kreativen Prozess und die aktuelle Landschaft der afrikanischen Repräsentation in der Kunstwelt.

Euronews Kultur: Wie hat Ihre Erziehung in Lagos Ihren Lebensweg beeinflusst, insbesondere im Hinblick auf Ihre Reise in die Welt der Kunst?

Ken Nwadiogbu: Wenn Sie in Lagos die Straße entlanggehen, sehen Sie am Straßenrand Kunstwerke von unglaublichen Künstlern. Ich denke, das war im Grunde meine früheste Bekanntschaft mit der Kunst. Sie würden Porträtzeichnungen von Menschen, Prominenten und Ikonen sehen.

Ich habe mich jedoch erst während meines Studiums als Bauingenieur damit beschäftigt, als ich diesen unglaublichen Kerl sah, wie er damals den Dekan der UNILAG zeichnete. Es hat mein Interesse wirklich geweckt – dass jemand mit einem Bleistift etwas so Lebendiges auf Papier schaffen könnte. Es war unglaublich überwältigend. Und ich wollte das Gleiche tun. Also habe ich einen Bleistift auf Papier genommen und der Rest ist Geschichte. Seitdem bin ich davon besessen.

Können Sie uns durch Ihren kreativen Prozess begleiten, beginnend mit der Idee? Wie verwandelt man ein anfängliches Konzept in ein greifbares Werk?

Nun, früher hatte ich die ganze Idee im Kopf, bevor ich überhaupt mit der Arbeit begonnen habe. Ich musste lediglich sicherstellen, dass die Idee und die Umsetzung übereinstimmen.

Mit meiner letzten Serie ist die Herangehensweise jedoch spontaner geworden. Bevor ich mit der Arbeit beginne, habe ich keine Ahnung, wie das Kunstwerk aussehen soll. Ich beginne damit, Farbe auf die Leinwand zu gießen und mit dem abstrakten Ausdruck zu spielen. Ich spiele überall im Studio Musik und tanze. Dieser Prozess bildet die Anfangsphase.

Und dann fange ich an, meine Archive mit Bildern von Einwanderern und Menschen wie mir zu durchsuchen, die ich in London gemacht habe. Und während ich all diese Bilder durchsehe, finde ich ein Bild, das Anklang findet, und entscheide, dass es das ist, was ich auf Leinwand darstellen möchte. Dadurch beginnt sich das Werk zu entwickeln, Gestalt anzunehmen und sich zu verwirklichen.

Wo finden Sie Ihre Inspiration?

Überall. Ich könnte mir die Nachrichten ansehen und etwas sehen, das meine Aufmerksamkeit erregt. Es weckt in mir den Wunsch, meine Stimme in das Gespräch einzubringen. Dann fange ich an, über Ideen nachzudenken und wie ich meine eigene Stimme im Gespräch wirkungsvoll zum Ausdruck bringen kann. Dieser gesamte Prozess ist für die Umsetzung der Arbeit von entscheidender Bedeutung.

Aber auch Musik. Musik ist eine große Inspiration. Ich spiele Burna Boy und Kendrick Lamar und all das löst in mir eine Art Inspiration aus. Es weckt in mir den Wunsch, Farbe auf eine Leinwand zu bringen.

Es ist lustig, dass Sie Burna Boy erwähnen, wenn man bedenkt, dass Sie das Cover für sein Album „On A Spaceship“ aus dem Jahr 2015 entworfen haben. Können Sie Ihre Erfahrungen und Emotionen während dieser Zeit teilen, insbesondere als ein Künstler von Burna Boys Format Ihr Kunstwerk auswählte?

Ja, es war eine wirklich coole und interessante Erfahrung. Und ich glaube, wir sind sogar Freunde geworden. Im Grunde ging ich zu ihm nach Hause und wir sprachen über das Kunstwerk und gingen mit Ideen hin und her. Er liebte das fertige Werk vor allem, weil es so groß und lebensecht war. Es ist lustig, denn als es veröffentlicht wurde, dachten viele seiner Fans einfach, es sei ein Foto von ihm. Aber eigentlich war es meine Arbeit. Er hat mir wirklich so viele Türen geöffnet und mir einen gewissen Wert gegeben. Es war unglaublich, mit jemandem zusammenzuarbeiten, der jetzt Grammy-Gewinner ist.

Aus Nigeria und dem gesamten afrikanischen Kontinent ist ein enormer Aufschwung in der Musik- und Kunstbranche zu verzeichnen. Hatten Sie Gelegenheit, Mr. Eazis Kunstprojekt für sein Album „Evil Genius“ zu sehen?

Ja natürlich. Er hat mich dazu eingeladen. Schönes, schönes Projekt. Und es zeigt wirklich, dass viele Nigerianer über den Tellerrand hinaus denken. Wir erforschen wirklich, wie wir all diese kulturelle Bedeutung, all diese Kunst und Musik vereinen können, wie wir sie zusammenführen können, um in gewisser Weise demselben Zweck zu dienen. Und ich denke, wir tun das. Ich denke, es gibt einen riesigen Raum für nigerianische Kreative.

Glauben Sie, dass nigerianische Künstler derzeit angemessen repräsentiert und anerkannt werden, oder glauben Sie, dass es in der Kunstwelt noch viel zu tun gibt?

Es lässt sich auf jeden Fall noch mehr tun. Aber ich kann den Fortschritt sehen. Dank unglaublicher Künstler wie Victor Ehikhamenor und Nengi Omuku, so vielen unglaublichen Künstlern, die uns den Weg geebnet haben, haben sie afrikanische Kunst auf die globale Bühne gebracht. Sogar unglaubliche Galerien wie die Retro Africa Gallery, die zusammenarbeiten und zusammenarbeiten, um afrikanische Kunst in diesem Bereich voranzutreiben. Es hilft uns als Künstlern, uns auf diese Frequenz einstimmen zu können und auch Teil dieses Gesprächs und Teil der Reise zu sein, die diese Menschen begonnen haben.

Der Hyperrealismus scheint eines der am weitesten verbreiteten Kunstgenres der afrikanischen Szene zu sein. Warum ist es Ihrer Meinung nach unter Künstlern des Kontinents besonders verbreitet?

Ich denke, Hyperrealismus ist jedermanns erste Liebe. Wenn man ein hyperrealistisches Werk sieht, kann man einfach nicht anders, als es zu lieben, oder? Es ist, als würde man gute Musik hören. Man muss die Musik nicht erklären. Es ist einfach gut. Es ist unglaublich.

Als ich also während meines Studiums an der UNILAG (Universität von Lagos) zum ersten Mal einen Hyperrealismus sah, löste das in mir einfach einen Funken aus. Und es ist einfach dieses unglaubliche Gefühl, dass so etwas aus einem einfachen, leeren Blatt Papier entstehen könnte. Ich denke, in Afrika hat es einfach die Aufmerksamkeit aller geweckt und wir alle lieben es, Hyperrealismus zu schaffen.

Ehrlich gesagt war es eine wunderschöne Reise. Es ist eine echte Community entstanden. Arinze Stanley, Ayogu Kingsley, Oscar Ukonu, um nur einige zu nennen – wir haben alle eine Bruderschaft aufgebaut. Wir teilen Ideen und Techniken und streben ständig danach, die bestmögliche Darstellung von Menschen in der hyperrealistischen Kunst zu erreichen.

Das Thema Migration ist in Ihrer Arbeit sehr prominent und aktueller denn je. Was hat Sie dazu inspiriert, sich auf dieses Thema zu konzentrieren?

Selbst wenn Sie unter einem Felsen leben würden, könnten Sie immer noch erkennen, dass Migration ein zentrales Thema in unserem modernen Leben ist. Ich selbst bin Migrant. Ich blieb eine ganze Weile in Nigeria – 20 bis 25 Jahre meines Lebens. Zu Hause hatte ich nie das Gefühl oder die Idee, ein Migrant zu sein, weil ich zu Hause war. In dem Moment, als ich Nigeria verließ, wurde mir klar, dass ich ein Schwarzer bin, dass ich ein Afrikaner bin. Und da wurde Migration für mich zu einem sehr wichtigen Thema.

Ich denke gerne darüber nach, wie ich mental, sozial und politisch bin, und spreche es an, spreche darüber und bringe es in meine Arbeit ein. Daher sehe ich derzeit eine große Diskussion, die daraus entstehen kann, dass ich ein Einwanderer bin. Ich möchte diesem Gespräch meine Stimme verleihen – auf eine Art und Weise, Menschen Migration aus meinem Kontext zu zeigen, aus der Perspektive von Menschen, die wie ich aussehen und ebenfalls aus Nigeria kommen.

Was möchten Sie durch Ihre Arbeit vermitteln?

Ich möchte das Gedränge, die Einschränkungen, die Politik und die Themen rund um die Migration vermitteln.

Bei den Boxen, die ich für mein Soloprojekt „Journey Mercies“ gemacht habe, ging es vor allem um Repräsentation und darum, dass Einwanderer auch Menschen sind. Wir sind Menschen mit Wertgegenständen und wir bewegen und reisen umher. Es gibt diese entmenschlichende Mentalität, wenn Menschen einen Einwanderer sehen, die aus den Nachrichten, sozialen Medien und den neuen Medien stammt, in denen über Migration gesprochen wird. Ich möchte die Wahrnehmung der Menschen darüber ändern, wie sie Einwanderer sehen und wie Menschen Afrikaner sehen, die von Afrika in andere Teile der Welt ziehen.

Aber ich möchte auch die Segnungen aufzeigen, die sich daraus ergeben, denn Migration hat die Welt in vielerlei Hinsicht gesegnet.

Im Mittelpunkt Ihrer künstlerischen Erzählung stehen die Augen. Warum konzentrieren Sie sich auf sie?

Wenn man sich meine persönliche Geschichte anschaut, wird einem klar, dass die Idee der Augen zutiefst persönlich ist. Als ich jünger war, habe ich fast ein Auge verloren. Ich habe mit meinem Bruder gespielt und bin vor ihm weggelaufen, weil ich ihn wütend gemacht habe. Aber ich stieß gegen die Klinke einer Tür, die mein Auge durchbohrte und mich fast blind machte. Mein Vater, der Arzt ist, brachte mich schnell ins Krankenhaus, führte eine Operation durch und reparierte das Problem. Aber ich konnte einen Monat lang mit einem Auge nicht sehen.

Und meine Mutter sagte immer: „Die Augen sind das Tor zur Seele.“ Wenn ich also male, denke ich darüber nach, wie ich das Wesen eines Motivs am besten darstellen kann, und wähle jedes Mal die Augen aus. Durch die Augen lasse ich die Menschen durch das Gemälde sehen und fast die Seele der Figur sehen, die ich darzustellen versuche. Es wird fast zu einem Gespräch, das man mit dem Gemälde führt, denn wenn man jemanden Auge in Auge ansieht, fließt eine Energie ein, die der Person das Gefühl gibt, echt zu sein.

Wie sind Sie bei der Auswahl der Farben für Ihre neuen konzeptuellen Arbeiten vorgegangen?

Für meine abstrakten Arbeiten versuche ich immer mit Farben zu spielen, die an Afrika, an meine Heimatstadt, erinnern. Alle sind sehr lebendig. Das Rot, das Blau, das Gelb, das Grün. Ich möchte es mir ansehen und denken: „Das fühlt sich an wie Nigeria.“ Für mich fühlt es sich an wie Ghana. Das fühlt sich für mich wie Südafrika an.“ Sie sind sehr von einem unglaublichen Künstler namens Frank Bowling inspiriert. Während meines Studiums am Royal College of Art besuchte ich sein Atelier. Er verwendet diese afrikanischen Primärfarben. Und er hat es einfach auf seine Leinwand gegossen und ich war davon sehr berührt und wollte es selbst in meiner eigenen Arbeit ausprobieren.

Meine Überlegungen zu Farbpaletten drehen sich auch um die Idee, dass wir alle Energie sind. Alles, was sich bewegt, alles, was wir berühren, ist Energie. Deshalb möchte ich meine Realität als eine Form fließender Energie darstellen und dabei Erinnerungen einbeziehen, die sich in Energie verwandeln, die meine Wahrnehmung des Lebens beeinflusst und verändert. Dies sind Erinnerungen an meine Erfahrungen in London und haben mir einen Einblick in das Gefühl gegeben, ein Einwanderer in diesem Land zu sein.

Wenn man sich die Arbeit ansieht, fühlt es sich ein bisschen wie die Sonne an, nicht wahr? Es fühlt sich an wie Hitze. Und in London ist es so kalt, dass ich in meinem Leben irgendeine Form von Wärme brauche. Diese Bilder geben mir Wärme und sie geben mir die Wärme, die ich brauche, um meine Arbeit fortzusetzen.

Erzählen Sie uns von Ihrem bevorstehenden Auftritt auf der ART Singapore

So heißt es Journey Mercies: Eine Migrationssymphonie und es dreht sich alles um Migration. Wenn du in Nigeria reist, werden deine Eltern „Reisebarmherzigkeit“ zu dir sagen. Es ist im Grunde ein Gebet für eine sichere Reise. Reisen ist nicht einfach und kostet viel Energie. Man braucht viel Geld und muss sich mit der ganzen Politik auseinandersetzen. Das Gesamtwerk soll Ihnen einen Einblick oder eine Vorstellung von Migration aus meiner Sicht geben.

Bei seiner ersten Teilnahme an der ART SG freut sich Retro Africa, vom 19. bis 21. Januar 2024 „Journey Mercies: A Migration Symphony“ zu präsentieren, eine Solopräsentation von Werken von Ken Nwadiogbu.