Das „Late Night With the Devil“-Team gewährt einen Blick hinter die Kulissen und zeigt, wie man mit geringem Budget ein gruseliges 70er-Jahre-Set herstellt. Am beliebtesten. Lesen Sie unbedingt: Melden Sie sich für den Variety-Newsletter an. Mehr von unseren Marken

Der Indie-Horror-Hit „Late Night With the Devil“ folgt der Echtzeit-Halloween-Episode einer fiktiven 70er-Jahre-Talkshow, die schnell in den Wahnsinn gerät. Die Autoren und Regisseure des Films, die australischen Brüder Cameron und Colin Cairne, ließen sich von der Aufregung und Gefahr inspirieren, die die Talkshows ihrer Jugend nach Feierabend auslösten.

„Diese Late-Night-Shows waren für uns als kleine Jungs sehr aufregend“, sagt Cameron Cairne. „Lange Zeit aufzubleiben, um fernzusehen, war so etwas wie ein Tabu, aber wir würden es tun, und wir würden Dinge sehen, die Kinder wahrscheinlich nicht sehen sollten. Deshalb haben wir versucht, diese Atmosphäre einzufangen, aber auch die Gefahr des Live-Fernsehens und die Tatsache, dass es kein Drehbuch gibt.“

Mit einem begrenzten Budget war das Duo zusammen mit seinem Kreativteam in der Lage, in Melbourne eine eigene, zeitgemäße US-Talkshow zu kreieren. Produktionsdesigner Otello Stolfo studierte die Late-Night-Shows, die sie nachahmen wollten, sofort bis ins kleinste Detail.

„Wir begannen, uns Shows wie Johnny Carson, Dick Cavett und alles andere anzusehen, was es damals gab“, sagt er. „Wir begannen uns anzuschauen, wie ihre Sets funktionieren und alles andere. Ich wusste, wie ich diese Interview-Sets schon früher gemacht hatte, also hatte ich eine Idee. Wir haben uns ihre Hintergründe und die Oberflächen sowie die Farben und Dinge angesehen und sind von dort aus weitergegangen. Ich sagte: ‚Lass uns überwiegend Braun- und Orangetöne verwenden.‘“

Letztendlich musste Stolfo, selbst nachdem er genaue Entwürfe entworfen hatte, je nach Größe des Projekts eine Neuausrichtung vornehmen.

„Geld und Zeit haben uns budgetiert“, sagt er. „Als sie mir sagten, wie viel, sagte ich: ‚Okay, mal sehen, was wir tun können.‘ Das war interessant, denn als ich mein erstes Layout erstellte und es zum ersten Hosting verschickte, übertraf es deutlich das, was ich hatte, sodass wir den Prozess überdenken mussten. Wir sind zu einigen cleveren Dingen gekommen, indem wir die Möglichkeiten, die uns zur Verfügung standen, neu auslegten und uns neue Ideen und neue Wege einfallen ließen, dies zu tun. Das war also das Gute daran.“

Abgesehen von den Sets wussten die Cairnes, dass auch die Kameraarbeit eine bestimmte Ära des Fernsehens widerspiegeln musste, und engagierten daher Matthew Temple als Kameramann. Temple war ein Branchenveteran, der Ende der 80er Jahre in Studios mit Sockelkameras drehte.

„Er hat seine alten Sammelalben aus den 80er-Jahren ausgegraben, als er Kameramann-Auszubildender war“, sagt Colin Cairne. „Es war das, was ihm alle Old-School-Jungs aus den 60er und 70er Jahren beigebracht hatten, wie man im Fernsehen dreht. Das wurde zur Bibel für sein Kamerateam. Es war wunderbar zu sehen, wie sie sich einen neuen Drehstil zu eigen machten – sie mussten den filmischen Stil verlernen, um eine authentische Fernsehsendung zu machen. Sogar die Beleuchtung: Es ging darum, in all diese alten Lagerhallen zu gehen und alle alten Lampen, Dinge, die sie seit 30 Jahren nicht benutzt hatten, abzustauben und sie wieder aufzubauen. Das war in allen Abteilungen so.“

Diese Authentizität war sowohl vor als auch hinter der Kamera von entscheidender Bedeutung, da die Brüder wussten, dass jedes reale Objekt, das fehl am Platz wirkte, den Zuschauer sofort aus dem Erlebnis reißen würde, auch wenn das Publikum den Unglauben an die blutigen satanischen Ereignisse aufgab.

„Ich erinnere mich nur an die Mikrofone … wir führten diese Gespräche über die zeitgemäßen Mikrofone“, sagt Cameron Cairne. „Sie mussten lang und dünn sein. Ich erinnere mich, dass eines Tages die Requisitenabteilung diese sehr plastisch aussehenden neonblauen Mikrofone herausholte und dachte: „Nein, ich glaube einfach nicht, dass die Leute das kaufen werden.“ Diesem Authentizitätsgedanken müssen wir uns abteilungsübergreifend widmen.“

Trotz der taktilen Elemente am Set brauchte das Team immer noch viel Magie auf dem Bildschirm, um die Geschichte zum Leben zu erwecken. Adam White, einer der Produzenten des Films, der auch für die visuellen Effekte zuständig war, sagt, dass das Team mit einem VFX-Budget von 150.000 US-Dollar fast 300 visuelle Effekte erstellt habe, so dass nur etwa 500 US-Dollar pro Effekt übrig blieben. Dieses begrenzte Budget inspirierte die Crew zu ernsthafter Kreativität.

„Ich komme aus der Low-Budget-Filmbranche“, sagt White. „Du machst es einfach möglich. Es ist einfach so, wie es funktioniert. Unterwegs entdeckten wir Dinge, obwohl wir versuchten, sie zu planen, und manchmal kann man die besten Absichten hegen und glauben, man wüsste genau, wie es passieren wird. Aber bis man mit dem Bau begann und unser Budget begrenzt war, mussten wir grundlegende Lösungen finden.“

Letztendlich ist Colin Cairne begeistert, dass das fleißige Team einen Film gemacht hat, der beim Publikum Anklang findet und ihm die gleiche Freude bereitet, die das Team bei der Arbeit daran empfand.

„Es ist die Bestätigung, die ein bisschen surreal ist“, sagt er. „Wir haben den Film vor fast zwei Jahren gedreht, am Ende von COVID. Es war immer noch eine ziemlich dunkle Zeit. Wir waren mehrmals 100 Tage lang im Lockdown. Es war etwas ganz Besonderes, daraus hervorzugehen und einen Film machen zu können, der seit Jahren eine Herzensangelegenheit ist. Wir haben das Gefühl, etwas Anständiges geschaffen zu haben.“

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