Zusammenfassung Cannes 2022: Eine willkommene Rückkehr voller Hochgefühl, Nervosität und bemerkenswerter Debüts

TEs war eine seltsame Stimmung beim diesjährigen Cannes Festival. Auf der einen Seite war die Begeisterung spürbar. Dies war das erste richtige Cannes seit der Zeit vor der Pandemie. Die Sonne brannte. Die Stadt war voll. Die Covid-Vorschriften galten nicht mehr. Festivalbesucher holten verlorene Zeit auf, stürzten sich in Filme, trafen sich persönlich mit Kontakten, die sie seit über zwei Jahren nicht mehr gesehen hatten, und besuchten so viele Partys wie möglich. Sie beschwerten sich sogar gerne über das neue absurd bürokratische und ineffiziente Online-Ticketsystem des Festivals.

Gleichzeitig machte sich auch eine Nervosität bemerkbar. Cannes-Besucher schließen gerne die Außenwelt aus und bewohnen ihre eigene kleine Blase, aber das war angesichts der großen ukrainischen Delegation und der überraschenden Anzahl von Russen, die auch in der Stadt waren, nicht so einfach wie gewöhnlich.

Als ich letztes Wochenende mit ihm sprach, plädierte der rumänische Regisseur Cristian Mungiu (ein ehemaliger Palme d’Or-Gewinner und auch dieses Jahr mit seinem neuen Spielfilm RMN wieder im Wettbewerb um die Preise des Festivals) leidenschaftlich für „Anstand“. Er plädierte dafür, Festivalbesucher nicht auf Partys herumzustapfen, solange der Krieg in der Ukraine noch tobe. Die Partys gingen jedoch ganz normal weiter. Ohne sie und ohne die Premieren auf dem roten Teppich wäre Cannes einfach nicht Cannes. Die Filme in der offiziellen Auswahl waren sehr gemischt. Das Festival wurde mit der Zombie-Komödie von Michel Hazanavicius eröffnet, die jetzt heißt Endgültiger Schnitt. (Es musste seinen ursprünglichen Titel Z ändern, als die Ukrainer sich darüber beschwerten, dass „Z“ eines der Symbole des russischen Militärs ist, das in ihren Augen dem Hakenkreuz entspricht).

Endgültiger Schnittein Remake eines japanischen Films, erschien mir absolut schrecklich, noch schlimmer als die Zombie-Parodie von Jim Jarmusch, Die Toten sterben nicht, das das Festival 2019 eröffnete. Es ist ein Film im Film. Ein Hacker-Regisseur (Romain Duris) dreht einen Low-Budget-Film, als das Leben beginnt, Kunst zu imitieren, und die Zombies wirklich zum Leben erwachen. Abgesehen von ein paar zufriedenstellenden Enthauptungen und bestimmten Szenen, in denen Charaktere sowohl mit echtem als auch mit scheinbarem Blut getränkt werden, bot der Film sehr wenig. Das französische Publikum schien es jedoch urkomisch zu finden.

Weitaus besser war der Rites of Passage/Kletterfilm, Acht Berge, der in Italien spielt, aber von den beiden Belgiern Felix Van Groeningen und Charlotte Vandermeersch inszeniert wurde, die beide Italienisch gelernt haben, um es zu schaffen. Dies war wie eine europäische Arthouse-Version von Brokeback Mountain aber abzüglich des schwulen Sex. Es ist die Geschichte der lebenslangen Freundschaft zwischen Pietro, der in der Stadt aufgewachsen ist, und Bruno, der aus dem Bergstamm stammt und für eine traditionelle Lebensweise steht, die schnell verblasst. Es verfügt über beeindruckende Kinematographie von Ruben Impens (der auch den letztjährigen Gewinnerfilm gedreht hat Titan) sowohl der italienischen Alpen als auch des Himalaya (wo Pietro sich kurz wagt). Es war ein ernstes, aber bewegendes Drama über Freundschaft, Familie und den Reiz der Berge.

Der Brilliante Phantomfaden Star Vicky Krieps wäre sicherlich die Hauptanwärterin für den Preis als beste Hauptdarstellerin des Festivals gewesen – wenn sie nur dafür hätte antreten dürfen. Sie hatte zwei Filme beim Festival, aber keinen im Hauptwettbewerb. Sie spielte in Emily Atefs Drama über eine unheilbare Krankheit, Mehr als je zuvordie respektvoll aufgenommen wurde, aber sie erntete anschließend begeisterte Kritiken für ihre erstaunliche Leistung als Kaiserin Elisabeth („Sissi“) von Österreich-Ungarn in Marie Kreutzers subversivem neuen Kostümdrama, Korsage. Ihre Sissi war eine sehr moderne Figur, eine Fitnessfanatikerin, die gerne reitet und fechtet und gerne raucht, aber mit der höfischen Etikette zu kämpfen hat. Krieps brachte Humor, Trotz und immenses Pathos in ihre Rolle.

Eine weitere sehr auffällige weibliche Leistung war die der jungen Amerikanerin Margaret Qualley in Claire Denis’ Wettbewerbsbeitrag, Sterne am Mittag. Adaptiert von einem Roman von Denis Johnson, hat dies eine Graham Greene-ähnliche Handlung. Qualley spielt Trish, eine Amerikanerin, die Mitte der 80er Jahre im Nicaragua umhertrieb und hier als ein völlig korrupter Polizeistaat dargestellt wird. Sie ist angeblich eine freiberufliche Journalistin, aber ihre Presseausweise wurden widerrufen. Sie würde gerne gehen, kann sich aber keinen Flug leisten oder organisieren. Joe Alwyn ist der mysteriöse Engländer im weißen Anzug, der in ihrem Hotel auftaucht. Sie werden schnell Liebhaber. Es ist nicht klar, ob er ein Geschäftsmann oder ein Spion ist.

Denis stellt gängige Thriller-Konventionen auf den Kopf und geht ihre Geschichte sinnlich und entspannt an. Trish befindet sich in einer verzweifelten Lage und verkauft Politikern und Armeeoffizieren sexuelle Gefälligkeiten, um sich am Leben zu erhalten, aber Qualley spielte sie mit einer ansprechenden Cartoon-Energie.

Elvis Das Fieber erfasste die Menge am Ende des Festivals, als Baz Luhrmanns neues Biopic außer Konkurrenz seine Weltpremiere feierte. Es gab einen weitläufigen, aber oberflächlichen Bericht über das Leben des Königs, der Colonel Parker (Tom Hanks), Presleys korruptem Manager, fast so viel Aufmerksamkeit schenkte wie Presley selbst. Eine viel schlankere Musikfilmvorführung in Cannes war Ethan Coens bewundernswert knapper Dokumentarfilm, Jerry Lee Lewis: Ärger im Kopf. Brillant bearbeitet, erzählte dies die Geschichte, wie Lewis, der klavierspielende Einzelgänger, ein großer Star wurde, aber dann sah, wie seine Karriere ins Stocken geriet, nachdem er seinen 13-jährigen Cousin geheiratet hatte. Coen, der zur Abwechslung einmal ohne seinen Bruder Joel arbeitete, verzichtete auf Voice-Over oder neue Interviews, sondern stützte sich stattdessen auf Archivmaterial. Der Film war sehr eng (er dauert etwas mehr als eine Stunde), hat aber dennoch hervorragende Arbeit geleistet, indem er den „Great Balls of Fire“-Sänger in all seinen Widersprüchen dargestellt hat. Er ist ein Säufer, Frauenheld und ein extremer Egoist, aber wie Elvis lebt er, um aufzutreten – und im Gegensatz zu Elvis gibt es ihn noch heute.

Ein weiteres Rock-Dokument, Brett Morgens David-Bowie-Film Mondzeit-Tagtraum fand auch bei Kritikern großen Anklang. Erneut archivbasiert und mit 70 Prozent neuem Material enthielt er atemberaubendes neues Filmmaterial zu seinem Thema in seinen „Ziggy Stardust“-Jahren und in seiner Berliner Zeit. Bowies Geschichte wurde durch seine eigenen Interviews und Grübeleien erzählt. Unpassenderweise kamen einige der aufschlussreicheren Einblicke in den chamäleonartigen Star aus Interviews, die er britischen Chatshows mit mittelgroßen Moderatoren wie Russell Harty und Mavis Nicholson gab.

Der brillante Jane Campion-Dokumentarfilm der französischen Regisseurin Julie Bertuccelli, Die Kinofrau (der in der Sektion Cannes Classics gezeigt wurde) entlarvte einmal mehr den männlichen Chauvinismus innerhalb der Branche. Es enthielt Material vom Festival zum 50-jährigen Jubiläum von 1997, als alle früheren Palme d’Or-Gewinner wieder zum Festival eingeladen wurden. Am schockierendsten wirkte auf das Publikum, das sich den Film letzte Woche in Cannes ansah, dass vor 25 Jahren niemand dachte, es sei auch nur ein bisschen ungewöhnlich, nur eine einzige Regisseurin in einem Meer von männlichen Regisseuren zu haben, die alle wie Pinguine mit schwarzen Krawatten aussahen .

Das Vereinigte Königreich hatte keinen Film im Wettbewerb, aber einer der besten Filme in der Sidebar-Sektion Critics’ Week war Nach Sonne, das Regiedebüt des frühreifen neuen schottischen Talents Charlotte Wells. Dies war ein Low-Budget-Drama über einen jungen Vater Calum (Paul Mescal aus dem Fernsehen), aber sehr ergreifend und brillant beobachtet Normale Leute) mit seiner 11-jährigen Tochter Sophie (Frankie Corio) in einem billigen Urlaubsort in der Türkei Urlaub macht. Der Film wurde von Barry Jenkins produziert und rühmte sich des gleichen improvisatorischen Gefühls und der herzzerreißenden Lyrik, die in Jenkins’ Oscar-Gewinner zu finden sind Mondlicht. Wells zeigte ihre beiden Protagonisten bei Karaoke-Abenden, Billardspielen oder Ausflügen zu historischen Stätten und porträtierte brillant ihre sehr komplizierte, aber zärtliche Beziehung.

Ein weiteres ebenso bemerkenswertes Debüt war Kriegspony, Co-Regie von Riley Keough (Elvis Presleys Enkelin) und Gina Gammell. Dies war ein Drama, das im Pine-Ridge-Reservat in South Dakota spielt (wo Andrea Arnold 2016 einen Teil ihres Spielfilms American Honey drehte, in dem Keough mitspielte). Die Hauptfiguren der amerikanischen Ureinwohner waren der junge Mann Oglala Lakota, Bill, ein Stricher mit einem Augenzwinkern, und der 12-jährige Junge Matho, der bereits auf Alkohol, Drogen und Kleinkriminalität steht. Sie lebten in sehr schwierigen Verhältnissen, waren aber belastbar und schlagfertig. Keough und Gammell erzählten ihre Geschichten mit Sensibilität und surrealistischem Humor. Noch vor Ende des Festivals gewann der Film den diesjährigen Palme Dog, den augenzwinkernden Preis, der jedes Jahr für die beste Hundeleistung verliehen wird. Dieser ging an den von Bill adoptierten Pudel, dem er sich bis ins kleinste Detail verschrieben hat, auch wenn der Hund die Truthähne des Chefs frisst.

Ein weitaus düstereres Debüt war das des jungen ukrainischen Regisseurs Nakonechnyi Schmetterlingsvision, eine düster fesselnde Geschichte über eine Veteranin der Armee, die nach Hause zurückkehrt, nachdem sie während des Donbass-Konflikts von den Russen gefangen genommen wurde. Sie wurde gefoltert, vergewaltigt und entdeckt, dass sie schwanger ist. Jetzt muss sie sich mit einer unsympathischen Reaktion ihrer Familie und ehemaliger Armeekollegen auf ihre Notlage auseinandersetzen. Rita Burkovska gab eine raue und sehr intensive Darstellung als traumatisierte Heldin in einem Film, der aktueller denn je schien.

Als das Festival das letzte Wochenende erreichte, war man sich einig, dass der Wettbewerb solide, aber nicht spektakulär gewesen war. Der zweite Spielfilm des belgischen Wunderkinds Lukas Dhont Nah dran, ein kleines, eng fokussiertes Drama über eine bald zerrüttete Freundschaft zwischen zwei Teenagern, begeisterte einige Kritiker. Andere bewunderten Dreieck der Traurigkeit, die äußerst unterhaltsame Satire des schwedischen Regisseurs Ruben Ostlund, in der einige sehr reiche Passagiere auf einer Hochseekreuzfahrt ihr Comeuppance erhielten. Iranischer Serienmörderfilm Heilige Spinne, unter der Regie von Ali Abbasi, löste viele Kontroversen aus. James Garys Harmagedon-Zeitein autobiografisches Drama über Übergangsriten, das in den frühen Achtzigern im New York spielt, war der aufrichtigste und persönlichste Film seines Regisseurs – und hatte eine wunderbare, ungewöhnlich zurückhaltende Darstellung von Anthony Hopkins als weltweisem jüdischen Großvater.

Mehrere andere bekannte Namen zeigten neue Filme: David Cronenberg (dessen jüngster Ausflug in den Körperhorror Verbrechen der Zukunft erhielt nur mittelmäßige Kritiken), die Dardenne-Brüder; der erfahrene polnische Regisseur Jerzy Skolimowski (dessen Fabel über einen Esel-EO viele Champions hatte) und die neuesten Spielfilme von führenden koreanischen und japanischen Regisseuren, Park Chan-wook und Hirokazu Koreeda.

Bei der Siegerehrung am Samstagabend hieß es, die Belgier kommen. Die Dardenne-Brüder (die anlässlich des 75-jährigen Bestehens von Cannes einen Sonderpreis erhielten), Lukas Dhont (der sich den Grand Prix mit der französischen Regisseurin Claire Denis teilte) sowie Felix Van Groeningen und Charlotte Vandermeersch (die sich den Preis der Jury teilten) waren alle unter den Preisen, eine erstaunliche Leistung für eine winzige Filmemachernation.

In den letzten 10 Tagen ging es in vielen Gesprächen um Erneuerung und Neueinstellung, wenn das Kino aus der Pandemie hervorgeht. Die erneute Verleihung der höchsten Auszeichnungen an die gleichen alten Gesichter musste daher von einigen als Rückschritt angesehen werden. Wie sich herausstellte, teilten sich Newcomer und Oldtimer die Hauptpreise. Dhont, der gerade 30 geworden ist, war ein Gewinner. Der schwedische Regisseur Tarik Saleh gewann das beste Drehbuch für seinen in Kairo spielenden Thriller. Junge vom Himmel; der ehrwürdige Skolimowski teilte sich den Jurypreis für seine Eselsgeschichte, Eo; Song Kang Ho wurde für seine Darstellung im neuesten Familiendrama des japanischen Regisseurs Hirokazu Kore-eda als bester Hauptdarsteller ausgezeichnet. Maklerund der erfahrene koreanische Autor Park Chan-wook wurde für sein Drama als bester Regisseur ausgezeichnet Entscheidung zu gehen. Es war ermutigend zu sehen, dass der Hauptpreis des Festivals, die Goldene Palme, an einen Film ging, der so zugänglich und unterhaltsam war wie Ostlunds TDreieck der Traurigkeit. (Es war Ostlunds zweite Goldene Palme nach The Square im Jahr 2017.)

Es wird Meinungsverschiedenheiten über die Entscheidungen der Jury geben (das gibt es immer), aber dieses Jahr wird immer noch als eine der bedeutendsten Ausgaben in der jüngeren Geschichte des Festivals in Erinnerung bleiben. Es fand in einer Zeit wachsender Angst vor Kinobesuchen statt. Nach Covid waren Kinobesucher bereit, Tickets für zu kaufen Spider Man und Der Batman aber sehr zurückhaltend, etwas anderes zu sehen. Die letzten anderthalb Wochen haben jedoch gezeigt, dass die glorreiche, globale Arthouse-Tradition, die Cannes feiert, so reich und lebendig bleibt wie eh und je.

(Cannes Festival fand vom 17. bis 28. Mai statt)