Wie der Soundtrack von Euphoria der verzerrten Realität der Show dient

SEinige Shows sind eher a Gefühl als alles andere. Sicher, es gibt eine Handlung, aber es ist nicht das Versprechen eines narrativen Fortschreitens, das Sie zurückkommen lässt: Es ist die Stimmung. Euphorie ist eine dieser Shows. Die Welt von HBOs Teenie-Drama für Erwachsene ist sofort erkennbar. Psychedelische Farben, eine auf den Kopf gestellte Kameraarbeit und ein epochenübergreifender Soundtrack haben dazu beigetragen, das Gütesiegel der Serie aufzubauen. Du kennst ein Euphorie Szene, wenn Sie eine sehen. Wenn du einen hörst. Wenn du fühlen ein. Wie einer der Gen-Z-Kohorten der Show sagen könnte, ist es eine ganze Stimmung.

Als die erste Staffel 2020 debütierte, lud sie das Publikum in die dunkle Fantasie der Vorstadt von Schöpfer Sam Levinson ein. Das stark stilisierte Erscheinungsbild der Serie stand im Widerspruch zu ihrer sozialdramatischen Handlung, die sich um die Drogenkonsumentin Rue (Zendaya) und ihren Kampf, nüchtern zu bleiben, dreht. Hier wird kontrovers alles von Überdosis bis Missbrauch stimmungsvoll beleuchtet, mit Glitzer übersät und auf einen Gänsehaut-kribbelnden Soundtrack gesetzt.

Im Euphorie – dessen zweite Staffel letzten Monat ein explosives Ende fand – werden selbst die hässlichsten Dinge schön gemacht. Levinson bevorzugt eine verzerrte Realität und fängt sie mit der markantesten Musik und Kinematografie ein, die es je gab.

Die Euphorie Look ist zu einer Ikone geworden. Es hat einen Glanz, als ob die Linse mit schimmerndem Nagellack bemalt wäre oder vom kalten Schweiß des Entzugs triefe. Jede Szene ist ein perfektes Tableau der Teenagerzeit. Levinson wandte sich an den ungarischen Kameramann Marcell Rév, mit dem er bereits 2018 zusammengearbeitet hatte Nation der Ermordung, bevor es überhaupt ein Drehbuch gab. Aber schon in diesen frühen Gesprächen wusste Levinson, was er wollte.

„Sam wollte, dass es nicht wie die Realität der heutigen Teenager aussieht, sondern wie sie sich selbst vorgestellt haben“, sagt Rév über Zoom. „Die Ästhetik der Show basiert auf Wahrheit, aber es ist eine subjektive Wahrheit. Wir versuchen, die Emotionen dieser Charaktere anzuzapfen, nicht ihre physische Realität.“

Révs Aufgabe ist es also, uns von unserer oberflächlichen Realität in Levinsons Unterwelt der Emotionen zu führen. Es ist ein grandioses Gefühl, das hauptsächlich auf die Schrauben und Muttern der Beleuchtung hinausläuft. „Wir bringen Lichter an Stellen an, wo man sie niemals in einer realistischen Show platzieren würde, weil es keinen Sinn machen würde“, erklärt Rév. „Aber weiter Euphoriewenn es einer bestimmten Emotionalität oder einem bestimmten Narrativ dient, dann erlauben wir uns das nicht nur – wir pushen uns bewusst gegenseitig dazu.“

Die Aufgabe der Kultivierung Euphories Stimmung fällt nicht nur auf Rév. Auch der in London geborene Rapper Labrinth trägt einen großen Teil dieser Verantwortung. Denn während sich manche Partituren im Hintergrund auflösen, ist Labrinth – eine lebendige, oft seltsame Mischung aus Genres – praktisch eine Figur für sich. Levinson wandte sich an Labrinth, nachdem er sein Album von 2019 gehört hatte Imagination & The Misfit Kid. „Sam gefiel, dass sich meine Musik anfühlte, als würde sie ständig wachsen“, erinnert sich Labrinth am Telefon aus seinem Studio in LA.

Das Verschmelzen von Genres ist für Labrinth selbstverständlich. „Ich komme aus Großbritannien, wir sind ein Schmelztiegel der Stile. Sogar innerhalb von Genres – Drum’n’Bass, Trip-Hop – wird immer von anderen Sachen geborgt. Ich bin also sehr an diese Mentalität gewöhnt.“ Einen Gospelchor neben einen elektronischen Drumbeat zu stellen, ist ihm in Fleisch und Blut übergegangen. Und ein Teil des Grundes, warum erzielt wird Euphorie so sehr angesprochen.

„Dort darf man viel machen Euphorie“, sagt er und spricht über die verzerrte Realität der Show. „Es gibt eine kompromisslose Herangehensweise an das Genre. Ich kann einen Hip-Hop-Track mit Sci-Fi kombinieren. Dies sind Elemente, die traditionell in dieser Umgebung nicht zusammen existieren würden, aber in Euphorie Ich kann alles tun, wenn es die Erfahrung steigert.“

Nehmen Sie „Yeh IF***in’ Did It“, einen treibenden Track, der auf Spotify fast 8 Millionen Mal angehört wurde. Labrinth stellte es sich so vor, als wäre die Gospel-Legende James Cleveland ein Mitglied von Kraftwerk. Er komponierte es ursprünglich für den Drogendealer Fezco, aber es endete stattdessen mit dem Soundtrack von Rues Verfolgungsjagd mit der Polizei in Folge fünf. Es war einer von mehreren Fällen, in denen Levinson nahm, was Labrinth ihm gab, und es einem anderen Teil der Serie zuordnete.

„Meistens mag Sam es, wenn ich mir nichts anschaue und einfach das mache, wovon ich inspiriert bin“, lächelt er. „Ich bin für ihn wie eine Kiste voller Inspiration. Er sagt zu mir: ‚Werfen Sie mir einfach weiter diese Inspirationen zu, und ich weiß, wo ich sie einsetzen kann.’“

Es ist selten, dass Labrinth einen bestimmten Song für eine bestimmte Szene komponiert, aber manchmal verlangt die Logistik genau das. Wie in Folge zwei der zweiten Serie, als Maddy (Alexa Demie) sich beeilt, die Beweise zu verstecken, nachdem sie sich in der üppigen Garderobe ihres Chefs verkleidet hat. „Sam brauchte etwas Dringendes und Extremes“, sagt Labrinth. Er traf eine Inspirationsquelle aus einer unerwarteten Quelle: Midsomer-Morde. “Ich bin Engländer!” er lacht zur Erklärung. „Ich wollte diese elektronische Musik kanalisieren, die sie spielen, wenn sie einen Mord untersuchen.“ Es klappt; die Szene dröhnt vor Spannung, die eines pastoralen Mordes würdig ist.

Da ist Labrinths Partitur nicht mehr wegzudenken Euphorie, der Mann selbst auch. Der Musiker durchbricht etwas die vierte Wand, als er am Ende der vierten Folge der zweiten Serie in einem Cameo auftaucht. Labrinth trägt seine Sonntagskleidung und spielt „I’m Tired“ – ein Lied, das er und Zendaya zusammen geschrieben haben – während einer Trauerfeier, die Rue halluziniert.

„Ursprünglich hatte Sam mir gesagt, dass Gladys Knight die Szene machen würde.“ Labrinth lacht herzlich. „Ich dachte: ‚Versucht dieser Typ, mich aufzutanken?’ Sprechen Sie über Druck!“ Sie ließen die Szene viermal laufen, damit Rév sie aus allen Winkeln festhalten konnte, die Levinson wollte. Es ist ein emotionaler Moment, einmal aufzutreten, geschweige denn viermal. „Zendaya sagte: ‚Lab … ich weine jedes Mal. Was zur Hölle?'”

Aber Labrinths Partitur ist nur ein Teil des klanglichen Puzzles. Music Supervisor Jen Malone, deren scharfes Ohr den Sound von Hits geprägt hat, darunter Atlanta und Gelbe Jacken, stopft jede Folge mit Songs voll, die innerhalb von Minuten Genres, Kontinente und Epochen überspringen. Es ist ein klangliches Buffet, und nichts ist vom Tisch. Zu jeder Stunde können Sie erwarten, dass der aufstrebende Rapper Baby Keem Bars spuckt, eingeklemmt zwischen dem industriellen Synth-Pop von Depeche Mode und dem spanischsprachigen Herzschmerz von Selena.

Es wurden Fragen darüber aufgeworfen, wie realistisch Malones Songauswahl ist. Und es stimmt, dass DMX und Tupac, die während der Partyszenen der Show schmettern, wegerklärt werden können (ja, sogar Gen Z-Leute kennen die erste Zeile von „Hit ‘Em Up“), Fez, der Geld zu einem Sonny Skillz 1995 Deep Cut zählt, tut dies nicht gerade wahr. Und für eine Serie, die sich ihrer Generation so sehr bewusst ist, Euphorie ist bemerkenswert geschmückt mit klassischen Pop-Rock-Momenten der Siebziger.

„Würde bestimmte Musik in bestimmten Momenten spielen? Vielleicht nicht“, zuckt Malone aus Los Angeles mit den Schultern. „Das versuchen wir hier nicht.“ Malones Soundtrack hat genauso wenig Ehrfurcht vor sachlicher Genauigkeit wie Révs Visuals. Emotionale Resonanz ist das einzige Ziel.

Oft wählt Malone einen Song nur nach Bauchgefühl aus. Das Gefühl, wenn ein Moment Song und Szene eine emotionale Tiefe verleiht, die sie allein nicht erreichen könnten. Meistens ist es Versuch und Irrtum („Wir haben eine König des Hügels Mentalität“), aber manchmal wird Malone es einfach tun wissen, wie sie es in Folge zwei getan hat. Zuzusehen, wie Maude Apatows Mauerblümchen Lexi auf ihr Rad springt und sich zu dem pulsierenden Hyperpop von Laura Les’ „Haunted“ ihren Weg zu Selbstvertrauen bahnt, ist pure Wunscherfüllung. „Lexi tritt auf und übernimmt Verantwortung für ihr Leben, und dieser Song mit seiner Energie war einfach …“ Malone findet nicht die Worte.

Am Ende des Tages, fährt sie fort, „wird es darauf ankommen, dass wir im Schneideraum sitzen und denken: ‚Wow, das ist geil.’“ Dope ist sicherlich ein Wort, um die Nadel von Sinead O’Connor zu beschreiben Folge vier. Die Power-Ballade von 1987, „Drink Before the War“, dröhnt aus einer Jukebox, als Nates Vater Cal traurig und betrunken an der Bar schwankt, wo er Jahrzehnte zuvor seine Highschool-Liebe umarmte.

Sekunden später ist es Cassie, die zu O’Connors gälischem Wehklagen mitblafft. Sie singt und weint auf einer Hausparty, verheddert in der rosa Schleife schwebender Luftballons. Die unerwartete Songauswahl vermittelt ein anderes Gefühl als beispielsweise eine offensichtlichere, sentimentale Option wie Adele oder sogar Amy Winehouse – aber es ist die Überraschung, die sie ideal macht.

Die Genehmigung des irischen Singer-Songwriters zu erhalten, war relativ einfach. „Sinead bestand nur darauf, dass es in der Szene keine sexuelle Gewalt gibt“, erinnert sich Malone. Ein Künstler, der sein Material lizenziert, ist normalerweise eine Frage des Geldes, aber Euphorie – ein Minenfeld aus Sex, Drogen und Gewalt – wirft Hindernisse auf.

Überraschung, Überraschung: Nicht jeder möchte, dass sein Lied für eine Szene verwendet wird, in der ein junges Mädchen in die Luft schießt. Oder eine mit Drogen handelnde Oma, die dem Chef eines Stripclubs die Knie bedeckt, während er im Hinterzimmer einen Blowjob bekommt, genau so beginnt die zweite Staffel. Die Genehmigung, Billy Swans düsteres Country-Soul-Cover von Elvis Presleys „Don’t Be Cruel“ zu verwenden, war ein großer Gewinn, grinst Malone.

Auf den ersten Blick, diese zweite Staffel von Euphorie scheint business as usual zu sein: eine Reizüberflutung mit Neonfarben und Wand-zu-Wand-Knallern. Aber der Teufel steckt im Detail, oder besser gesagt in den Moodboards von Rév. Während er die Ästhetik der ersten Staffel durch das Scrollen von Tumblr-Seiten fand („Man sieht in der Teenagerfotografie einen Mut, den man bei etablierten Künstlern nicht bekommt“), war diese Staffel weniger an zeitgenössischen Quellen interessiert.

„Wir wollten etwas machen, das wie eine Erinnerung an die High School aussieht und nicht wie etwas, das es im Moment ist“, sagt Rév. Dies ist teilweise der Grund, warum diese Serie vollständig auf Film gedreht wurde: ein Ektachrome 35-mm-Lager, das seit Mitte der 2000er Jahre nicht mehr erhältlich ist, für das Kodak jedoch zugestimmt hat, es speziell herzustellen Euphorie.

„Ursprünglich wollte ich die erste Staffel auf Film drehen, aber jetzt bin ich froh, dass wir es nicht getan haben, denn jetzt gab es diese Reise. Es sieht so aus, als würde es ein wenig verblassen, wie eine gebrochene Erinnerung, in der Sie sich befinden. Musikalisch erhielt Malone den gleichen Auftrag. „Wir haben versucht, diese Erinnerungsstimmung zu nutzen“, sagt sie. „Wir haben mit den Backkatalogen vieler Künstler gearbeitet, um dieses Gefühl der Nostalgie aufzubauen.“

Auch die Kamera ist langsamer geworden. „Staffel eins hörte nie auf, die Kamera drängte immer weiter“, erinnert sich Rév. Aber die zweite Staffel nimmt die Dinge langsamer. Während die Energie der ersten Serie vielleicht am besten durch eine komplizierte Kamerafahrt in Folge vier veranschaulicht wird, die 400 Fuß Dolly-Schiene erforderte und über zwei Minuten dauerte, ist der emblematische Moment der zweiten Staffel einfacher. Auf die Frage nach seiner Lieblingsaufnahme der Saison wählt Rév eine aus dem Finale aus: Lexi und Rue treffen sich nach ihrem Stück auf dem Boden von Lexis Schlafzimmer wieder. Keine ausgefallene Kameraarbeit oder kühne Beleuchtung.

„Es ist ein bisschen kühler. Wir erlauben uns, länger auf Gesichtern zu sitzen. Es ist ruhiger. Weniger gestresst“, sagt er. „Während wir etwas tiefer in diese Charaktere eintauchen, schließt sich der Horizont ein wenig.“

Manchmal fühlt sich Kunst lebensechter an als das Leben. Für Teenager ist dieses Gefühl zehnfach. Heranwachsende Emotionen scheinen näher an die Oberfläche zu dringen; sie vibrieren mit der ganzen Zärtlichkeit eines freigelegten Nervs. Teen Heartbreak ist nicht wie das Ende der Welt; es ist das Ende der Welt. Oder es fühlt sich so an, was in diesem Alter so ziemlich dasselbe ist. Euphorie versteht das.