Was ist mit den Melodien in den heutigen Filmmusicals passiert?

FFilmmusicals. Du liebst sie oder du hasst sie. Ihr Kribbeln geht ins Rote oder Ihr Herz schwillt vor Freude an, und ich bin nicht davon überzeugt, dass es etwas dazwischen gibt. Es gab jedoch eine Zeit, in der eine einfache Melodie die Fähigkeit hatte, sich für jedermann und jeden in das kulturelle Gefüge einzufügen. Was hat sich geändert?

In den letzten Jahren wurde uns die mit Hip-Hop angereicherte Kultursuppe von Lin-Manuel Miranda serviert Hamilton Und In den Höhen, der Chartmusik-Bombast von Der größte Schaustellersticht sogar in Nostalgie durch Disney-Neustarts und die Hommage an die Goldene Ära La La Land, dessen unvermeidliche Broadway-Adaption letzte Woche angekündigt wurde. Sie erzählen gute Geschichten, haben High-Budget-Produktionen und scheffeln an den Kinokassen. Im Zentrum des Ganzen bin ich jedoch nicht davon überzeugt, dass ich wirklich zeitlose Melodien höre, an die man sich erinnern oder die man für die kommenden Jahre neu starten kann. La La Lands „City of Stars“ klingt wie eine Nachahmung eines Klassikers, ohne es wirklich zu sein, und fällt einem beim ersten Hören wie Sand durch die Finger; Der größte Schausteller „A Million Dreams“ mag ein großer Hit gewesen sein, aber es klingt bereits wie ein unglücklicher Chartsong, den wir vor sechs Jahren gemocht haben. Aber der musikalische Showstopper triumphierte früher – von der ikonischen Interpretation von „Somewhere Over the Rainbow“ der 17-jährigen Judy Garland Der Zauberer von Oz zu Gene Kelly, der sich in „Singing in the Rain“ um diesen Laternenpfahl schwingt. Denken Sie an jede einzelne Zahl darin Bugsy Malone, Fett, und alles, was Randy Newman jemals für Pixar geschrieben hat, ganz zu schweigen von jahrzehntelangen Disney-Klassikern. Melodien für alle, für immer. Was die unvermeidliche Frage aufwirft: Wer ist heute im ewigen Geschäft? Wurde eine bestimmte Art von Songwriter davon abgehalten, sich dem Format des Musicals zu nähern? Ich denke, vielleicht haben sie.

Filmmusicals befinden sich in einer eigenen Nische – Musicals, die ausschließlich für den Film geschrieben wurden und nicht von Bühnenshows adaptiert wurden oder auf Songs basieren, die bereits Hits sind („das Jukebox-Musical“). Aber verständlicherweise tragen sie immer noch den Einfluss wegweisender Musiktheaterautoren. Greg Wells, der Musikproduzent dahinter Der größte Schausteller Und In den Höhensagt mir, dass mit Jonathan Larsons Nineties-Musical ein gewisser Trend begonnen haben könnte Mieten, der im Zeichen von AIDS in New York spielt. „Es hat ein archaisches, altmodisches Ding wie das Broadway-Musical in die Gegenwart gebracht und es cool gemacht“, sagt er. Vielleicht begann hier der flüssigere, weniger melodisch eingängige Song die Führung zu übernehmen und klassisches Songwriting aus der Mode zu bringen. „Sicher“, sagt Wells. „Mieten war ein wesentlicher Einfluss auf die Arbeit von Lin-Manuel Miranda“ – mit dem Wells inzwischen drei Filme gedreht hat, darunter das Larson-Biopic-MusicalTick, Tick … Bumm. „Der größte Schausteller ist in diesem Kanon“, fügt er hinzu, „nimmt die Form an, macht sie aber einem jüngeren Publikum zugänglich.“

Einer der prägenden Einflüsse von Wells war das Bezeugen Jesus Christus Superstar als Dreijähriger mit seiner Mutter im Kino in der Innenstadt von Peterborough, Ontario. Die Texte dieses Musicals, das in den frühen 1970er Jahren innerhalb von drei Jahren vom Konzeptalbum über die Bühnenshow zum Film sprang, wurden von Sir Tim Rice geschrieben. Der mehrfach mit Oscars, Oliviers und Grammys ausgezeichnete Texter ist ein anerkannter Meister der Form, „Don’t Cry for Me Argentina“, „Can You Feel the Love Tonight“ und „A Whole New World“ stammen alle von ihm. „Etwas auf originelle Weise zu machen, kann immer schwieriger werden, und die Leute werden immer versuchen, die Grenzen des Theaters zu erweitern, manchmal auf Kosten der Ausdauer eines Songs“, sagt Rice.

Er denkt, dass „viele Popmusik heutzutage wirklich besessen von ‚Ich, ich,’ ist. Es sind alles ‚meine Probleme‘, und ich bin mir nicht sicher, ob das unbedingt das ist, was die Welt hören will.“ Daraus können Musicals entstehen, die „eher nach innen blicken“, erklärt er. „Wie wäre es, wenn Sie über Ihre eigene kleine Welt hinausblicken? Wie wäre es mit dem Versuch, zu sehen, was da draußen außer dir selbst ist?“ Auf seinem Holen Sie sich auf meine Cloud Podcast hat Rice einen 10-Punkte-Leitfaden zum Schreiben eines erfolgreichen Musicals aufgelistet – obwohl, wie er mir sagt, „es eigentlich keine Regeln gibt“, kommt es auf „eine akribische Verfeinerung des eigenen Handwerks und die Fähigkeit, ein wirklich gutes zu erzählen Geschichte”. Wells greift dieses Gefühl auf: „Wenn Sie keine wirklich überzeugende Geschichte haben“, sagt er, „ist es egal, welche Songs Sie haben, die Geschichte muss Sie wirklich am Kragen packen, sonst sind Sie dem Untergang geweiht.“

Die Geschichte ist König, das ist sicher, aber Guillermo Del Toros jüngste Neuinterpretation des italienischen Märchens Pinocchio ist ein interessantes Beispiel für schlechte Songs, die einen ansonsten exzellenten Film herunterziehen. Hier ist ein legendärer visueller Filmemacher, der eine hingebungsvolle Leistung des Stop-Motion-Einfallsreichtums vollbringt. Für die Musik ist jedoch Alexandre Desplat zuständig, ein sensationeller Filmkomponist, aber anscheinend noch lange kein Songwriter. Erzwungenes Abtasten und verwirrte Melodien weben schrill durch diese beliebte Fabel. Am bezeichnendsten ist, dass Del Toro, als Sebastian the Cricket, geäußert von Ewan McGregor, beginnt, in „Better Tomorrows“ zu starten, in einem scheinbaren Akt der Barmherzigkeit, den vereitelten Kumpel von einem wütenden Wal verschluckt hat, bevor er überhaupt zum ersten Refrain kommt. Es ist, als hätte Del Toro irgendwie gewusst, dass wir erleichtert aufatmen würden. Warum zum Beispiel Damien Chazelle’s La La Land Sehen Sie so großartig aus und fühlen Sie sich auch so an, aber lassen Sie den Ball auf die Musiknummern fallen? Ich konnte Ihnen nicht einmal ein Fragment aus diesem Film pfeifen, und ich habe ihn bis jetzt dreimal gesehen. Vielleicht machte die Tatsache, dass es an vergangene Tage erinnerte, die vergängliche Musik umso enttäuschender.

Ich bin versucht zu sagen, dass Musicals wie das oben erwähnte von Jonathan Larson Mieten und das von ihm inspirierte Oeuvre von Lin-Manuel Miranda setzen die Tradition des verstorbenen Stephen Sondheim fort. Es funktioniert wunderbar, wenn Sondheim auf vorhersehbare Schreibtechniken verzichtet – obwohl er auch Showstopper wie „Send in the Clowns“ und „Marry Me a Little“ schreiben könnte – aber es ist fast so, als ob die von ihm beeinflussten Autoren alle strukturellen Freiheiten ohne Notwendigkeit übernommen hätten in der Lage zu sein, die verheerende emotionale Intelligenz zu reproduzieren, über die Sondheim verfügte. Wie Rice sagt: „Sondheim ist sehr gut darin, Sondheim zu sein, und er hat viele Leute inspiriert, die ihn kopieren – und sie sind nicht so gut darin, Sondheim zu sein. Und so schreiben sie Musicals, die nicht wirklich viel emotionalen Kontakt mit dem Publikum haben.“ Das Ergebnis ist ein Stil, den ich oft als überladen und willkürlich empfinde, während er gleichzeitig zu laut in seiner Sentimentalität ist. Ich denke, das ist der Punkt, an dem so viele zeitgenössische Musicals zu sacken drohen.

Es kann sich auch lohnen, zu untersuchen, wie das moderne Filmmusical im Tonstudio zusammengestellt wird und was dort falsch läuft. Um Zeitlosigkeit zu erreichen, sollten die Werkzeuge, die Sie verwenden, der Kunst, die Sie machen, untergeordnet sein, sonst werden Sie sie mit der Technologie des Tages an ihre Ära binden. Bei Musicals wäre es ein ausgezeichneter Anfang, das Autotune auszuschalten. Menschliches Versagen ist etwas Schönes; das Ohr sehnt sich danach. Es lohnt sich natürlich, Schauspieler zu engagieren, die eine Note halten können – aber denken Sie daran, dass Perfektion langweilig ist und Ehrlichkeit alles ist. Hut ab vor Tom Hooper, der seine Besetzung während seiner gesamten Filmversion von komplett live singen ließ Les Misérablesund Meryl Streep dafür, dass sie in echt singen wollte Mamma Mia. Stellen Sie sich eine automatisch abgestimmte Stimme als ein Gesicht vor, das zynisch mit Photoshop bearbeitet wurde – ihm ist nicht zu trauen und er ist kulturell unverantwortlich. Hören Sie sich zum Beispiel zuerst Robin Williams’ Performance von „Prince Ali“ in den 1992er Jahren an Aladdin – eine aus den Fugen geratene Tour de Force, voll von all den glücklichen Zufällen, die man von Williams auf dem Höhepunkt seiner Kräfte erwarten würde. Wenden wir uns nun Will Smiths Repressalien gegen den Geist beim Disney-Neustart 2019 zu. Smiths Gesang wurde so stark computerverarbeitet, dass man eher iRobot als Fresh Prince hört. Der Sänger wird kastriert und das geliebte Lied verflüchtigt sich praktisch. Wenn Julie Andrews lerchenähnliche Stimmakrobatik in den 1964er Jahren von denselben Produktionstechniken eingeengt worden wäre Mary Poppinswürden wir weiterhin zustimmen, dass „Supercalifragilisticexpialidocious“ so ein Knaller war?

Vielleicht ist es ein Zeichen der Zeit, dass Filmmusicals jetzt mehr auf bestimmte Ecken der Kultur kuratiert werden. Es gibt keinen Mainstream mehr, nur mehr oder weniger Kult, maßgeschneidert für jeden eigenen Algorithmus. Wenn es für Kinder ist, dann wird es zuckersüß und laut und unsubtil. Wenn es für Musiktheaterfans ist, dann wird es alternativ und für Unbekehrte undurchdringlich sein. Der Mittelweg ist meiner Meinung nach ein Filmmusical mit klar geschriebenen Songs, deren Komplexität meisterhaft als Einfachheit getarnt, ehrlich aufgenommen und auf herausragenden Darbietungen basiert. Songtexte können breit und doch intelligent sein. Refrains können eingängig sein, aber nicht störend. Es gibt einen Bereich für Musik, in dem jeder mitmachen kann. Denken Sie daran, wie Julie Andrews uns während der mitreißenden Einführung in Technicolor von Rodgers und Hammersteins hoch aufragendem Klassiker von 1965 genau erzählte, wovon die Hügel leben Der Klang von Musik (Sofortige Tränen, wenn ich nur an diese Eröffnungsszene denke).

Abschließend möchte ich sagen, dass ich seit meinem 12. Lebensjahr Songs geschrieben habe – für mein eigenes Projekt Flyte und auch für andere Bands und Pop-Künstler, um mich schließlich in einer ähnlich geneigten Gruppe von Freunden und Mitarbeitern wiederzufinden. Aber noch nie hat sich einer von uns an das Musical gewagt. Und wie die bierumklammernden Sofasitter, die ein Fußballspiel im Fernsehen anschreien, das sind wir letztendlich… Wir hatten immer ein abfälliges Wort über die aktuelle Qualität der modernen Musiknummer. Aber während ich dies schreibe, ist mir aufgefallen, dass ich auf einen Aufruf zu den Waffen gestoßen bin. Ein Schlachtruf an zukünftige Generationen williger junger Schriftsteller. Könnten die Höhen von Cole Porter wieder erreicht werden? Alles, was es braucht, um eine kreative Renaissance auszulösen, ist eine wirklich besondere Vision, die trotz aller Widrigkeiten an die Massen weitergegeben wird. Künstler sollten sich an diesen einfachen Rat des verstorbenen, großartigen Songwriters Burt Bacharach erinnern: „Schämen Sie sich niemals, eine Melodie zu schreiben, an die sich die Leute erinnern.“