Theaster Gates steht beispielhaft für diese Figur unserer Zeit, den internationalen „Helden“-Künstler – vergleichbar mit Antony Gormley, Anselm Kiefer oder Eliofor Eliasson – der auf wahrhaft multinationaler Ebene operiert, mit Teams von Assistenten, die simultane Projekte realisieren, die transzendieren scheinen die Gesetze von Zeit und Raum. Der in Stadtplanung ausgebildete 48-jährige Afroamerikaner aus Chicago hat die kulturbasierte Regeneration zu einer persönlichen Kunstform gemacht. Er hat ganze Teile von Chicagos benachteiligter, überwiegend schwarzer Südseite mit kulturellen „Knotenpunkten“ – Bibliotheken, Archiven, Aufführungsräumen – verwandelt, die er zu einem „Mini-Versailles“ mit Grüngürteln verbinden möchte. Angesichts seiner bisherigen Erfolgsquote bezweifle ich, dass er daran gehindert wird.
Selbst wenn Gates mit bescheidenen Materialien wie Teer arbeitet, sich auf seinen Vater, einen Dachdecker oder ausgemusterte Feuerwehrschläuche bezieht, die sich auf ihre Verwendung bei der Unterdrückung von Bürgerrechtsdemonstrationen beziehen, neigen die resultierenden raumfüllenden Installationen zum Epos.
Daher ist es überraschend zu erfahren, dass Gates sich in erster Linie als Töpfer betrachtet, als Praktiker der vielleicht an sich kleinteiligsten, intimsten und einsamsten Kunstformen – glauben Sie mir, Sie können nicht mehr als eine Person auf eine Töpferscheibe bringen. Gates, der in Japan traditionelles Töpferhandwerk studierte, setzt Zen-inspirierte Ideen über die Auslöschung des Handwerkers mit der Theologie seines eigenen baptistischen christlichen Hintergrunds, in der Gott den menschlichen Ton formt und der menschliche Töpfer „lernt, die Welt zu gestalten“, auf. . Wie gesagt, der Mann denkt groß.
Diese Ausstellung, die Teil einer einjährigen, an mehreren Orten stattfindenden „Untersuchung von Ton“ ist, die eine „Intervention“ im V&A und eine Ausstellung in seiner Londoner Galerie White Cube umfasst und im nächsten Sommer in einem von Gates entworfenen Pavillon im Serpentine gipfelt, öffnet sich täuschend bescheiden. Es gibt eine wunderschön kuratierte Ausstellung von Keramik, die Gates inspiriert hat, von den britischen Töpfern der alten Schule Bernard Leach und Dame Lucie Rie bis hin zu Beispielen von Negrobilia – Spielzeug und andere Konsumgegenstände mit grotesken stereotypen Darstellungen von Schwarzen – und ein großes Glas von David Drake , ein versklavter Afroamerikaner aus dem 19. Jahrhundert, dessen Töpfe jetzt Millionenpreise erzielen. Am bedeutendsten sind explosive Tonskulpturen des “abstrakten Expressionisten” des amerikanischen Töpfers Peter Voulkos, der eindeutig einen großen Einfluss auf Gates selbst hat. Wenn Gates’ „Antwort“ auf ein großes Voulkos-Werk, das vom V&A ausgeliehen wurde, der klumpigen Energie des Originals nicht das Wasser reichen, ein kleineres Gates-Stück mit einem vorgefertigten Tonkrug, der von zwei glitzernden Platten aus hochgebranntem Ton verschlungen wird hat eine kräftige Sinnlichkeit. Es fasziniert nicht zuletzt, weil es so völlig anders ist als alles, was man von einem großen, global agierenden Konzeptkünstler erwarten würde.
Ein Soundtrack aus spacigem Seventies-Jazz-Funk, der auf Vintage-Vinyl gespielt wird, bildet einen schönen Kontrast, obwohl das Vorführen von hippen Referenzen in der Kunst und nicht zuletzt durch alte Schallplatten so weit verbreitet ist, dass die Reverse Appropriation – das Zeichnen von altem „weißem Zeug“ “ (Leach und Rie) in eine schwarze Retro-Ästhetik – geht leicht verloren.
Gates versteht sich als schwarzer Mann auf einer archetypischen künstlerischen Reise: der idealistische Westler, der vom östlichen Handwerk lernt. Das japanische Konzept des „Mingei“, das den anonymen, egolosen traditionellen Handwerker erhebt, ermöglichte ihm, den kulturellen Wert in der afroamerikanischen Alltagserfahrung zu sehen, von der Küche seiner Mutter bis zum Teerkessel, den sein Vater zum Aufstellen von Dächern benutzte.
Afro-Ikebana (2019) gehört zu einer Reihe von Afro-Mingei-Werken, in denen er versucht, japanische Philosophie und schwarze Ästhetik zu verschmelzen: ein Stapel gefalteter Tatami-Matten mit einer Ansammlung von Pampasgräsern in einem großen Keramikgefäß und einer afrikanischen Maske auf die Wand dahinter.
Angesichts dieser zutiefst persönlichen Assoziationen, die er mit dem mingei-Konzept verbunden hat – ganz zu schweigen von den Ressourcen, die in seinen eigenen Chicagoer Institutionen aus den Archiven des afroamerikanischen Lifestyle-Magazins verfügbar sind Ebenholz bis hin zur Plattensammlung von House Music Pate Frankie Knuckles – es scheint seltsam, dass er auf die offensichtliche Trope der Maske als Verkörperung von Blackness zurückgreifen sollte. Die Maske ist zwar kein traditionelles Meisterwerk, wie es die europäischen Modernisten inspiriert hat, sondern ein Tonabguss einer touristischen Kunst, aber es ist nicht klar, was diese Ersatzheit mit sich bringt.
(Sara Pooley)
Wenn die Einbeziehung eines Stapels von Ziegeln – die Arbeit, Migration und menschlichen Einfallsreichtum darstellen – und verschiedener antike Schränke, gefüllt mit arkanen Instrumenten und Pulvern, die für den „alchemistischen“ Töpferprozess unerlässlich sind, den Sinn von Gates’ Tonpredigt als eine Sammlung faszinierender Punkte eher verstärkt als ein rundes Argument, in einem neuen Film – auch genannt Eine Tonpredigt – er scheint zu versuchen, diesen disparaten Elementen durch Performance Kohärenz zu erzwingen.
Ein Trompeter-Solo vor einer Gates-Keramikskulptur, als wollte er Seele hineinblasen, während der Künstler selbst mit einer afrikanischen Maske in einer verlassenen Ziegelei in Montana Scat-singt; obwohl sich die versprochene „Predigt“ von Gates bei der Arbeit an der Töpferscheibe in der Version, die ich sah, als weitgehend unhörbar erwies.
Erst im letzten Raum, der langen Galerie im Obergeschoss, lernen wir Gates als Künstler und Keramiker kennen und nicht als Sammler von Referenzen. Auf speziell angefertigten Holz- und Steinsockeln stehen große runde Gefäße, die an traditionelle afrikanische Keramik erinnern und von Teer triefen. Ein Haufen weißer Abgüsse afrikanischer Masken ruht auf einem massiven Kalksteinfelsen in einem 3 m breiten quaderförmigen Rahmen aus immer noch duftendem Azobholz, wobei die generische Qualität der Masken – wieder aus touristischen Stücken gegossen – das Gefühl von Theatralik verstärkt, das das als Ganzes anzeigen.
Während die beeindruckenden ergonomischen Formen eine beeindruckende Handwerkskunst aufweisen – ein Großteil davon stammt von den drei Assistenten von Gates, deren Engagement er freiwillig anerkennt – sind die Werke, bei denen man sich wirklich im kreativen Moment mit dem Künstler selbst befindet, einige der kleinsten: eine Serie Brick Reliquiare genannt, in denen bescheidene Ziegel verbrannt wurden, bis die Elemente im Ton schmelzen und verschmelzen, wodurch außergewöhnliche Formen und Texturen entstehen. Obwohl uns nicht gesagt wird, dass dies ausschließlich Gates’ eigene Arbeit ist, hat man das Gefühl, so sehr in der Körperlichkeit des Prozesses gefangen zu sein, dass es keinen Raum für kulturelle und historische Querverweise gibt. Wir bekommen das Gefühl von Ganzheit und Vollständigkeit, nach dem wir uns in dieser Ausstellung faszinierender Kleinigkeiten gesehnt haben und nach dem wir uns in unserer endlos fragmentarischen weiteren Kultur zunehmend sehnen.
Theaster Gates: Eine Tonpredigt, Whitechapel-Galerie, London 29. September – 9. Januar 2022