The Week on Stage-Theaterkritiken: Romeo und Julia, Als Winston mit dem Radio in den Krieg zog, Schulmädchen; Oder: The African Mean Girls Play

Tseine Woche, Shakespeare im Almeida, die Geburt der BBC im Donmar Warehouse und eine in Ghana spielende Komödie im Lyric Hammersmith.

Romeo und Julia – Almeida ★★★★☆

Es kommt selten vor, dass eine Produktion von Romeo und Julia Das bleibt Shakespeares Versprechen von „zwei Stunden Verkehr“ treu, aber heute Abend im Almeida erfüllt Regisseurin Rebecca Frecknall ihr Versprechen. Eine knappe Laufzeit hat jedoch ihren Preis, und in diesem Fall bedeutet das eine umfangreiche Bearbeitung und keine Toilettenpause. Dennoch profitiert Frecknalls Stück durch diese Kürzungen stark und das Ergebnis ist eine instinktive, aufgeladene Produktion, die auch zugänglich ist.

Dies ist Frecknalls erster Versuch beim Barden. Es ist keine überraschende Wahl für eine Regisseurin, die zunehmend dafür bekannt ist, alte Geschichten in neue Formen zu bringen, wie sie es zuletzt getan hat Endstation Sehnsucht Und Kabarett. Romeo und Julia bekommt auch die Frecknall-Behandlung, mit einem reduzierten Drehbuch, einer Prise Tanz und einem minimalistischen Bühnenbild von Chloe Lamford (zum Leben erweckt durch die stimmungsvolle, subtile Beleuchtung von Lee Curran).

Als gleichnamiges Liebespaar Toheeb Jimoh (der süße und lächelnde Sam Obisanya in Ted Lasso) und Isis Hainsworth passen gut zusammen. Jimoh ist mondsüchtig und zärtlich und spult Meterreihen schnell und lässig ab, wie Sie möchten. Unterdessen spielt Hainsworth wirkungsvoll Julias junges Alter hervor und sorgt so für Momente komischer Erleichterung. Die Chemie zwischen den beiden fühlt sich dann weniger wie wahre Liebe als vielmehr kindliche Verliebtheit an. (Wer kann sagen, was dramatischer ist?) Jack Riddiford ist ein fantastischer Mercutio, und es ist Frecknalls Verdienst, dass seine „Queen Mab“-Rede auf dem Boden ihres Schneideraums verschont bleibt, wo andere Szenen wie der Tod von Paris spielen. Mercutio ist prahlerisch und lüstern, selbst im Tod unbändig.

Apropos Todesfälle: In Frecknalls Inszenierung gibt es vielleicht weniger, aber diejenigen, die es auf die Bühne schaffen, sind wirkungsvoll – in Echtzeit mit einem guten Maß an realistischen Argumenten und Drängen der Schauspieler. Das Stück ist mehr als angenehm und schwelgt in seiner Gewalt. Jonathan Holbys stilisierte Kampfführung und Frecknalls Tanzchoreografie gehen oft ineinander über, mit unterschiedlichem Erfolg. Die Entscheidung, einige dieser Versatzstücke zu Prokofjews Filmen zu vertonen Romeo und Julia ist verständlich, aber ablenkend – so entstellt sind diese donnernden Akkorde Der Lehrling. Frecknalls Produktion ist insgesamt beeindruckend, angetrieben von einer rasanten Energie und einer individuellen Perspektive. Annabel Nugent

Als Winston mit dem Radio in den Krieg zog – Donmar Warehouse ★★★★☆

Jack Thornes neues Stück spielt im Jahr 1926 und handelt von den Anfängen der BBC. Familien können sich kein Essen leisten, streikende Arbeiter bringen das Land zum Stillstand und dem neu gegründeten öffentlich-rechtlichen Sender wird vorgeworfen, Tory-Propaganda wiederzubeleben. Klingt bekannt? Aber es ist nicht nur die politische Relevanz, die es ausmacht Als Winston mit dem Wireless in den Krieg zog frisch fühlen. Dies ist ein temporeiches Stück mit kraftvollen Darbietungen und einer raffinierten Produktion.

Die BBC, die in Thornes Stück unter der Regie von Katy Rudd auftritt, hat eine komplexe Beziehung zur Regierung. Zu dieser Zeit war der Sender auf eine Nachrichtensendung pro Tag beschränkt. Doch dann beginnt der Generalstreik und die BBC marschiert ein und füllt den Platz der Druckerei und die Häuser der streikenden Arbeiter mit Liedern, Comedy-Sketchen und ja, Nachrichten. John Reith (Stephen Campbell Moore), der Mann, der für die Leitung der BBC verantwortlich ist, besteht darauf, dass dies eine großartige Sache für die Demokratie sei. „Man kann in gedruckter Form lügen, aber im Radio wird es jemand in einem hören“, erklärt er. „Ein Mikrofon; es macht dich ehrlich.“ Winston Churchill (Adrian Scarborough) reibt sich vor Freude die Hände und betrachtet das Radio als sein ganz persönliches Sprachrohr.

Doch Reiths Niedergang kommt schnell. Campbell Moore versprüht zunächst eine nervöse, nervöse Energie, als er Reiths Würde und seinen Glauben an die BBC als moralisches Gut zum Ausdruck bringt. Aber er lässt sich durch die Macht und den Pomp von Scarboroughs Churchill leicht dazu bewegen, die Regierungslinien durchzusetzen und die Opposition zu zensieren. In Campbell Moore schwinden diese Nervositäten fast bis zum Wahnsinn, als Reith, der vom Krieg und der Erinnerung an einen ehemaligen Liebhaber (Luke Newberry) heimgesucht wird, erkennt, dass die BBC ihre Moral aufgeben muss, um zu überleben. Unterdessen verhindert Scarborough, dass sein Churchill eine vollwertige Karikatur wird, und wird gezeigt, wie er respektvoll hinter Premierminister Stanley Baldwin (dem stets hervorragenden Haydn Gwynne) her huscht.

Die Hauptdarsteller werden von einem vielseitigen Ensemble unterstützt, das auch die Hörwelt der Show gestaltet. Dies ist auf das geniale Sounddesign von Ben und Max Ringham zurückzuführen, die eine Klanglandschaft aus Foley-Kunst (der Technik, mit der Soundeffekte für das Radio erzeugt werden) schaffen. Mit der Beratung des Foley-Künstlers Tom Espiner erschafft die Besetzung mit Haushaltsgegenständen die Audiowelt von 1926 vor uns: Hände in einem Goldfischglas für einen fließenden Fluss, Schuhe aus Kies für Churchills Märsche.

Der Klang ist der rote Faden, der Thornes Spiel zusammenhält, auch in Momenten der Stille. In Laura Hopkins‘ Bühnenbild hängen Mikrofone in der Luft und lassen sich herunterklappen, um die Klänge der Foley-Künstler oder Schauspieler-Musiker zu verstärken. Doch in den letzten Momenten der Show steigen sie herab, umzingeln Reith und fangen ihn in einem metaphorischen Wald ein, den er selbst geschaffen hat. Manchmal kann die Integration so vieler Designelemente dazu führen, dass sich die Nebencharaktere ein wenig dünn fühlen und Cameo-Rollen die gleiche Tiefe erhalten wie politische Führer. Dennoch schmälert es nicht Rudds Produktion, deren Kraft wie ein Echo im Donmar Warehouse widerhallt. Isobel Lewis

Schulmädchen; Oder The African Mean Girls Play – Lyric Hammersmith ★★★★★

Die Hölle hat keine Wut wie ein verachtetes junges Mädchen. Seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2004 Mittlere Mädchen war das Paradebeispiel dieses Sprichworts – und zwar in Schulmädchen; Oder: The African Mean Girls Play, lernen wir schnell, dass es eine Wahrheit ist, die unabhängig von der Umgebung Bestand hat. Jocelyn Biohs gefeierter Off-Broadway-Hit spielt im Ghana der 1980er Jahre und erkundet die sich schnell verändernde Dynamik einer Freundschaftsgruppe unter der Leitung der widerwärtigen, aber charismatischen Paulina (Tara Tijani). Biohs Antwort auf Regina George: Paulina achtet darauf, dass ihre Mädchen ihr Gewicht, ihre Intelligenz und ihren Sinn für Mode im Auge behalten. Und sie ist nicht der Typ, der ihre Worte beschönigt. Doch die Ankunft des neuen Mädchens Ericka (Anna Shaffer) stellt eine unmittelbare Bedrohung für Paulinas Regentschaft als Königin B dar. Ericka ist in den USA aufgewachsen, hellhäutig und die Tochter eines wohlhabenden Kakaofarmbesitzers. Sie ist alles, was Paulina und die anderen Mädchen nicht sind . Es dauert nicht lange, bis die Aufmerksamkeit aller auf sie gerichtet ist, aber Paulina gibt ihre Krone nicht kampflos auf.

Es gibt Widersprüche über unsichtbare Freunde. Scherze über abwesende Eltern. Und schockierende Seitenhiebe über Gewicht und Teint. Es geht brutal zu, als die Schulmädchen mit Leichtigkeit verbale Schläge austeilen. Aber so leicht Sie über ihre überragenden Schattenfähigkeiten lachen, werden Sie auch von Zeilen zum Schweigen gebracht, die den wahren Schmerz hinter den harten Worten der Schüler offenbaren. Bioh geht die Kapital-I-Probleme an, ohne dass sie jemals in das PSA-Territorium abdriftet. Ihr Drehbuch bringt auf elegante Weise zum Ausdruck, wie Faktoren wie Kolorismus, Armut und die Vorherrschaft der Weißen zu Selbsthass führen können, der sich unweigerlich nach außen ausbreitet. Alle acht Schauspieler des Ensembles glänzen auf der Bühne, von der nötigen Herzlichkeit der Schulleiterin Francis (Alison A Addo) bis hin zum urkomischen Doppelauftritt der Schüler Gifty und Mercy (Francesca Amewudah-Rivers und Bola Akeju).

Biohs Stück ist mehr als Afrikas Antwort darauf Mittlere Mädchen. Es ist eine prägnante, intelligente 80-minütige Erkundung des Zorns von Teenagern – und das Lustigste, was diesen Sommer auf der Bühne zu sehen ist. Nicole Vassell