Sie haben sich beide einen Sound der frühen 2000er für „Rosaline“ vorgestellt. Wie hat sich die Partitur entwickelt, während Sie daran gearbeitet haben?
Hultquist: Nun, ich denke, unsere allerersten Sachen, die wir zu schreiben begannen, klangen vielleicht viel größer und orchestraler. Es gab also eine Menge Rückzieher, ging von einer Sektion mit 30 Saiten zu fünf Saiten, solche Sachen, nur um einzugrenzen, was der eigentliche Sound des Films sein sollte.
Drum & Lace: Ich glaube auch nicht, dass wir unbedingt dachten, dass wir die historischen Instrumente so oft einsetzen würden. Wir wussten, dass wir diese in die Coversongs integrieren mussten, weil es ein Moment vor der Kamera war. Der Film zeigt die Band nicht so oft live spielen, wie ich denke, dass sie es beabsichtigt hatten, aber es sollte so aussehen, als würde die Band es im Raum spielen. Das waren also unsere historischen Instrumente.
Beim Rest des Scorings sagten wir: „Oh, es wird mehr Synthesizer sein“, aber am Ende waren es tatsächlich ein drittes Renaissance-Instrument, ein drittes Streicher und vielleicht ein drittes Synthesizer und Elektronik. Ich glaube, das hat mich zumindest überrascht – dass es eine viel traditionellere Partitur ist, als wir uns vorgenommen hatten.
Man hört auch nicht zu viel offensichtliche Synthesizerarbeit.
Drum & Lace: Es ist ziemlich subtil. Es ist mehr für die Textur und für die Unterstützung, nur weil viele dieser historischen Instrumente nicht viel Sustain haben, also sind sie mutig. Mit dem Gesang ist es ähnlich. Der Gesang und die Synthesizer sind diese strukturelle Decke um die Partitur. Wie in der Häkelszene in „Rosaline“ gibt es keinen Synthesizer, weil es mit der Qualität der Holzbläser nicht funktioniert hat. Es passte nicht zu der eher analogen und atemlosen Darbietung.
Was genau an der Musik in Filmen, die Sie als Referenzen aufgeführt haben, wie „10 Dinge, die ich an dir hasse“, wollten Sie würdigen?
Drum & Lace: Ich denke, die Art und Weise, wie Songs als Partitur verwendet wurden. Also die Sensibilität, dass es etwas gibt, das den Schwung aufrechterhalten kann und das die Dinge zeitgemäß und belebt und in ein gutes Tempo bringen kann. Ich denke, die Inspiration war eher so: „Wie können wir die Coversongs in unserer Partitur so gestalten, dass sich alles nahtlos anfühlt?“ Denn viele dieser Filme aus den späten 90ern und frühen 2000ern hatten nicht so viel Partitur. Es waren alle Nadeltropfen. Es hat diese Jugendlichkeit eingefangen, denke ich.
Hultquist: Ich denke, es war diese Energie, Aufregung, einfach Dinge, die sich auf eine Art neu und frisch anfühlen.
Drum & Lace: Und auch sehr augenzwinkernd zu erkennen, dass dieser Film voller Tropen und voller Oden zurück zu den Dingen ist. Es nimmt sich selbst nicht zu ernst. Ich denke, auch musikalisch hat uns das geholfen zu sagen: „Oh, das ist keine Slapstick-Komödie, aber es ist auch kein ernsthafter Film. Er liegt irgendwo dazwischen.“ Ich denke, diese Filme, auf die verwiesen wurde, wie „She’s All That“, „10 Things I Hate About You“, sind große Referenzen.
Wenn es zu ironisch geworden wäre, hätte die Partitur den Film leicht zu einer Parodie machen können.
Hultquist: Ja. Wir tun es ein bisschen ganz am Anfang des Films. Wir kommen mit einem mitreißenden romantischen Stichwort herein und dann unterbricht Rosaline es wie: „Warum redest du das?“ Wir haben ein paar Momente, in denen wir hineinspielen, aber nicht zu viel.
Drum & Lace: Und die Figur von Romeo und auch ein bisschen die Geschichte von Romeo und Julia ist, wo wir uns in die Schnulzen lehnen könnten, nur wegen der Art, wie sie es beide spielen. Während sie für Rosaline diese respektlose Figur sein musste, und auch musikalisch.