In einem Film, ob gut, schlecht oder gleichgültig, geht es immer um etwas. Aber in manchen Filmen geht es um mehr als in anderen, und wenn man sich „Desperate Souls, Dark City and the Legend of Midnight Cowboy“, Nancy Buirskis hinreißende, prägnante und wunderschön explorative Making-of-a-Movie-Dokumentation, ansieht, wird deutlich, was klar wird ist, dass es in „Midnight Cowboy“ um so viele Dinge ging, dass das Publikum in den Film versinken konnte, als wäre er ein Teil ihres eigenen Lebens.
Der Film handelte von Einsamkeit. Es ging um Träume, sonnig und doch zerbrochen. Es ging um die Sexualität schwuler Männer und den Schock, sie zum ersten Mal in einem großen Kinofilm wirklich zu sehen. Es ging um das Gedränge und die Entfremdung von New York City: die gottlose Karnevalswüste aus Beton, die noch nie mit der Tele-Authentizität, die sie hier hatte, auf der Leinwand festgehalten wurde. In dem Film ging es auch um die größere sexuelle Revolution – wie die Verrücktheit der „freien Liebe“ wirklich aussah und um die Überschneidung zwischen homoerotischem und heterosexuellem Blick. Es ging um Geld, Armut und Klasse und darum, wie sie einem die Seele zerreißen könnten. Es ging darum, wie der Krieg in Vietnam die Seele Amerikas zerriss. Es ging um eine neue Art des Schauspielens, die auf dem Realismus von Brando aufbaute, aber auch darüber hinausging.
Und es ging um Liebe. Jon Voights Joe Buck, dieser schlaksige gute alte Junge aus Texas mit seiner Wildlederjacke mit Fransen, seinem Grinsen mit den hervorstehenden Vorderzähnen und seiner sexy, strahlenden Naivität, und Dustin Hoffmans Ratso Rizzo, der verschwitzt und unrasiert, das lange Haar nach hinten gekämmt, durch die Straßen humpelt , der sein Kleingeld in einem Schuh mit einem Loch und ohne Socke versteckte – diese beiden hatten nichts gemeinsam, außer dass sie Verlierer waren, die an einem seidenen Faden hingen, und erst nach einer Weile wurde ihnen klar, dass sie nichts auf der Welt außer jedem von ihnen hatten andere.
Die riskante, beiläufige Größe von „Midnight Cowboy“ besteht darin, dass der Film zwar wusste, dass es um viele dieser Dinge geht, aber auch nicht wusste, dass es um viele dieser Dinge ging. Vielleicht mehr als jeder andere prägende Meilenstein New Hollywoods („Bonnie und Clyde“, „The Graduate“, „Easy Rider“), der Film kanalisiert die Welt um ihn herum. „Desperate Souls, Dark City“ erzählt die Geschichte, wie „Midnight Cowboy“ entstand und wie die Menschen waren, die es gemacht haben – der Regisseur John Schlesinger, die Drehbuchautoren Waldo Salt, Jon Voight und Dustin Hoffman sowie James Leo Herlily, der das Drehbuch geschrieben hat Der Roman von 1965, auf dem der Film basierte, nahm die Essenz dessen auf, wer sie waren, und verwandelte sie in eine persönliche Vision dessen, was wir auf der Leinwand sahen.
Als Dokumentarfilmerin begegnet Ihnen Nancy Buirski („Von Sidney Lumet“) aus einem berauschenden impressionistischen Blickwinkel. Trotz all seiner leckeren Anekdoten, und davon gibt es viele, geht es in „Desperate Souls“ weniger um Produktionskriegsgeschichten, sondern um das alltägliche A und O, wie „Midnight Cowboy“ entstanden ist (wir sehen die berühmte Szene, in der Ratso weitermacht). ein Auto und Geschrei „Ich gehe, heah“ aber verstehen Sie nicht die übliche Geschichte über den Dreh dieser Szene), als mit der emotionalen Metaphysik, wie ein Film über einen engstirnigen Stricher und einen obdachlosen Verlierer verkörperte, was Hollywood wurde: keine Traumfabrik, sondern eine Wahrheitsfabrik, ein unheimliches beweglicher Spiegel dessen, wer wir waren.
Jon Voight, jetzt 84, sanfter, als sein kämpferisches politisches Image im Off vermuten lässt, wird im Film interviewt und erzählt eine gute Geschichte darüber, wie Schlesinger am letzten Drehtag in Texas verzweifelt und überzeugt war, dass er es geschafft hatte eine selbstzerstörerische Fehlinterpretation über „einen Tellerwäscher, der all diese Frauen fickt“. Voight, der sich bemühte, ihn zu beruhigen, sagte ohne wirkliche Überzeugung, dass dies der Film sei, für den sie alle in Erinnerung bleiben würden. Es kam ihm nie in den Sinn, dass es wahr sein könnte. Das liegt daran, dass „Midnight Cowboy“ gegen so viele Regeln verstoßen hat, dass niemand hätte ahnen können, dass es sich tatsächlich um eine Neufassung der Regeln handelt.
Uns wird ein Screen-Test von Voight gezeigt, bevor er den schleppenden Ton hinbekommen hat, aber Sie sehen immer noch, warum er die Rolle bekommen hat – er hat Joe Buck bereits mit einem ausgestattet Glauben an sich, der das Publikum durch den Film tragen würde. „Midnight Cowboy“ war als Abenteuer dargestellt, fast schon altmodisch: Ein gutaussehender Junge aus Texas macht sich auf den Weg in die Großstadt, bereit, es als Gigolo zu schaffen, und es liegt in der Natur von Filmen, dass wir ihn lieben . Doch sobald er Sylvia Miles kennenlernt, wissen wir, dass er überfordert ist.
Buirski befasst sich mit dem Leben von John Schlesinger und enthüllt, dass er ein mutiger Riese von Filmemachern war. Er wurde 1926 geboren, stammte aus einer wohlhabenden britischen Familie und schwankte zwischen den Ängsten, die schwule Männer damals teilten – Homosexualität war noch immer eine Straftat, insbesondere in Großbritannien, wo die Polizei es sich zur Gewohnheit machte, Männer an Cruising-Spots einzusperren – und die Tatsache, dass seine Familie wusste, wer er war und ihn dafür akzeptierte.
Der Film zeigt, wie viele der kreativen Entscheidungen, die „Midnight Cowboy“ ausmachten, Schlesingers revolutionärem Impuls entsprangen, Aspekte des queeren Bewusstseins und der Erfahrung im Rahmen einer großen Hollywood-Produktion auf die Leinwand zu bringen. Die Szene, in der Joe, nachdem ihm klar geworden ist, dass sein Sex mit Frauen die Rechnungen nicht bezahlen wird, einen jungen Trick (gespielt von Bob Balaban) aufgreift, der ihm in einem Kino einen runterholt; die Szene, in der er einen Herrn mittleren Alters (Barnard Hughes) aufnimmt und ihn schließlich in einem Hotelzimmer beschimpft; Sogar die Rückblenden, in denen Joe und seine junge Freundin Annie (gespielt von Jennifer Salt, der Tochter des Drehbuchautors Waldo Salt) nackt von Raufbolden in Texas aus einem Auto gezogen werden – Schlesinger verleiht diesen Szenen Leidenschaft, Verkommenheit und Schrecken dass er aus seiner eigenen Erfahrung herausgerissen wurde.
Der Realismus endete hier nicht. Ich war 11, als ich „Midnight Cowboy“ zum ersten Mal mit meinen Eltern in einem Autokino sah, und während sich Szene für Szene in meine Fantasie einbrannte, war es der Moment, der mich verfolgte, der meine Sicht auf das Universum buchstäblich auf den Kopf stellte wo wir einen Mann sehen, der zusammengebrochen auf dem Bürgersteig liegt und von Fußgängern in der Innenstadt ignoriert wird. Man könnte argumentieren, dass die Tatsache, dass er gut gekleidet ist und direkt vor Tiffany liegt, die Szene unrealistisch macht. Dennoch habe ich in den letzten Monaten in New York City Obdachlose gesehen, die zusammengebrochen und bewusstlos auf dem Bürgersteig lagen. Was dieser Moment in „Midnight Cowboy“ einfing, war die neue Gleichgültigkeit, die unsere Welt definierte.
Das sollte zu einem unauslöschlichen Thema der 70er Jahre werden, das am brillantesten in Robert Altmans „Nashville“ zum Ausdruck kommt, mit seinem verrückten Wirbel aus Charakteren, die gleichzeitig interagieren und direkt aneinander vorbeistreichen. Aber bei „Midnight Cowboy“ kam es vor allem darauf an, wie der Moment gedreht wurde. Schlesinger hat es in Zusammenarbeit mit dem brillanten Kameramann Adam Holender wie einen körnigen, spontanen Dokumentarfilm gefilmt. Er hat es geschafft real. („Bonnie und Clyde“ und „The Graduate“ sahen nicht wie Dokumentarfilme aus.) Damit verwischte er effektiv die Grenze zwischen dem, was auf dem Bildschirm geschah, und dem Leben außerhalb des Bildschirms.
„Desperate Souls, Dark City“ fängt ein, was für ein entwaffnend intimer Film „Midnight Cowboy“ war, aber der Dokumentarfilm ist auch ein Essay darüber, wie der Film als eine Art Portal fungierte: ein Übergang von der alten in die neue Welt. Die ganze Idee, dass Joe sich als „Cowboy“ präsentierte, war nicht nur ein sexueller Fetisch; Es verkörperte, was ein Mann außerhalb des erotischen Bereichs einmal war und nicht mehr war. Der Kritiker J. Hoberman zeigt uns, wie der Western mit seinen zunehmend entwurzelten Cowboys zu einer Allegorie Vietnams geworden war (tatsächlich war es damals die einzige Filmform, die sich mit Vietnam befasste, abgesehen von John Waynes absurd chauvinistischem „The Green Berets“). ). Und der Autor Charles Kaiser stellt eine brillante Verbindung zwischen dem Zusammenbruch des Glaubens an das durch Vietnam repräsentierte amerikanische System und dem Aufstieg der Schwulenbefreiung her. Wenn wir über den Krieg belogen wurden – darüber, wie wir hineingekommen sind, über seinen wahren Zweck, ob er „gewinnbar“ war –, dann war vielleicht die Tür offen für die Annahme, dass die Dämonisierung der Homosexualität ebenfalls eine Lüge war.
Auf diese Weise trug der „Kollaps der Werte“, der sich durch „Midnight Cowboy“ zieht, einen seltsamen Strom der Hoffnung mit sich. Diese Hoffnung hört man in der Musik: im Plätschern von Harry Nilssons „Everybody’s Talkin’“ und in der atemberaubenden melancholischen Hingabe von John Barrys von der Mundharmonika geleiteter Titelmusik. Doch niemand, von Schlesinger an, hätte erwarten können, dass der Film den bahnbrechenden Erfolg haben würde, den er hatte. Sein Triumph bei den Oscars war der bisher eindrucksvollste Beweis dafür, dass die Filmindustrie den Aufstieg des New Hollywood akzeptierte, obwohl die Tatsache, dass John Wayne bei derselben Zeremonie als bester Hauptdarsteller für „True Grit“ ausgezeichnet wurde, zeigte, dass die Branche still stand in zwei Richtungen gleichzeitig schauen. Wayne’s Rooster Cogburn war der echte (falsche) Cowboy; Joe Buck von Voight war der falsche (echte) Cowboy. Im Jahr 1969 repräsentierten sie das Yin und Yang dessen, was Filme und das Leben sein könnten. Wie „Desperate Souls, Dark City“ so eloquent einfängt, waren sie ein Traum, der dem nächsten Platz machte.