„Olivia hielt Johns Hand durch“: Die unwahrscheinliche Geschichte hinter Greases elektrischem Soundtrack

WAls John Farrar im Morgengrauen mit einer Demo seines hastig geschriebenen „Notfallsongs“ zu einem Filmset auftauchte, hatte er keine großen Hoffnungen. Der Anruf war erst am Vortag gekommen und hatte nach einer Last-Minute-Nummer geschrien, um ein Loch in die Partitur zu stopfen, wenn der Schmierer mit Herz dafür sorgt, dass das gute Mädchen böse wird. Farrar war nicht gerade inspiriert, es zusammenzukratzen – „verzweifelt ist wahrscheinlich das Wort“, sagt er. Der Regisseur hörte es sich einmal an und hasste es, aber die Einstellung für den letzten Schultag war bereits vorbereitet, und sie hatten alle keine Optionen mehr. Ein Choreograf warf auf der Stelle eine Tanzroutine zusammen. Die Szene ging innerhalb von sieben Stunden in die Dose und schloss so dieses schäbige Teenie-Musical ab, das vermutlich in Vergessenheit geraten war.

Oder nicht. Der Film war der Musical-Hit von 1978 Fett. Der Track „Du bist der, den ich will“. Ein Jahr später würde Farrars „Emergency Song“ als 6 Millionen Mal verkaufte zweite Single aus einem Soundtrack, der diese Woche vor 45 Jahren veröffentlicht wurde, weltweit auf Platz 1 landen und zu einem der größten Alben aller Zeiten werden. „Es war eines dieser glücklichen Dinge, zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein“, sagt Farrar heute. „Ich weiß immer noch nicht, warum es so ein Hit war. Wie es scheint, hat es junge Menschen stark beeinflusst. Ich habe einfach nur staunend von der Seitenlinie aus zugesehen.“

Es ist bizarr, sich vorzustellen, dass die ikonische Tanzszene rund um ein Jahrmarktsvergnügen vielleicht ganz gestrichen worden wäre, wenn der Hauptdarsteller das Lied nicht geliebt hätte. „[Farrar] kam um sechs Uhr morgens in meinen Wohnwagen, weil er die ganze Nacht wach war“, sagte Olivia Newton-John später und erinnerte sich an den Tag, an dem ihre Figur Sandy den besten von zwei Schuhen gegen die am meisten aufgesprühte Hose tauschte um John Travoltas cooles Kind Danny für sich zu gewinnen. „Er hat es mir vorgespielt und gesagt: ‚Was denkst du?’ Ich sagte: ‚Oh Gott, es ist unglaublich.’ Es hatte einfach diese fantastische Energie.“

Farrar, Newton-Johns regelmäßiger Produzent und Songwriter während ihres Aufstiegs in die australischen Country-Pop-Ränge, hat allen Grund, sich bei seiner Systematik zu bedanken, nein hydromatisch Sterne. Es hätte Henry „The Fonz“ Winkler sein können, der nach Marie Osmond die Treppe des Vergnügungshauses hinaufgekrochen wäre, hätte Ersterer die Danny-Zuko-Rolle nicht abgelehnt, um nicht typisiert zu werden, und Letztere nicht aus Angst, ihr blitzsauberes Image durch Quetschen zu beschädigen, abgebrochen eine Zigarette unter einem 15 cm hohen Absatz und schnurrt: „Erzähl mir davon, Hengst“.

Erzählen Sie mehr? Fett entstand als Bühnenmusical, das von dem Werbetexter Jim Jacobs und dem Kunstlehrer Warren Casey konzipiert wurde, beide Stammgäste im Chicago der Sechzigerjahre. Das Paar erfand das Musical, nachdem der Sound von Led Zeppelin, der bei einer Abschlussparty aus den Lautsprechern dröhnte, sie nach dem Doo-Wop der 1950er Jahre schmachten ließ. Sie kombinierten ihre eigenen Highschool-Erfahrungen – Jacobs war ein Greaser, Casey ein fleißiger Weltverbesserer – und erschufen ein düsteres Rock’n’Roll-Teenager-Musical aus den Fünfzigern, das von Gangs von glatthaarigen Dragracern, Pink Ladies und Schulabbrechern bevölkert wurde . Fett wurde 1971 in Chicago eröffnet und erwies sich mit Jitterbug-Klassikern wie „Summer Nights“, „Greased Lightnin’“ und „We Go Together“ als Tournee-Hit. Der Theaterproduzent Allan Carr erwischte es 1972 am Broadway und roch filmischen Junk Food. Fünf Jahre später, als die Filmrechte frei wurden und Carr dank seines Erfolgs bei der Vermarktung des Flugzeugabsturz-Kannibalismus-Films zu einem Namen bei Paramount geworden war Überleben!, Fett wurde als Lowbrow Punt mit einem Budget von 6 Millionen Dollar (4,8 Millionen Pfund) grünes Licht gegeben.

Allein der Casting-Prozess spricht für die marode Konstruktion des Films, Soundtrack inklusive. Danach lehnte Winkler das Angebot im Wesentlichen ab Fonzie: Der Film, Paramount wandte sich an den 22-jährigen aufstrebenden Star Travolta. Ein einmaliger T-Bird in der Touring-Show von FettTop-Ten-Künstler und Star der ABC-Sitcom Willkommen zurück, KotterTravolta war für einen Drei-Filme-Deal mit Carrs Co-Produzent Robert Stigwood unter Vertrag genommen worden: der erste würde sein Saturday Night Fever. In ähnlicher Weise wurden Donny Osmond und Elvis für die Rolle des Malzladens Teen Angel gemunkelt, bevor sie schließlich Frankie Avalon zufiel. Und Sid Caesars Rolle als Coach Calhoun wurde ursprünglich dem Pornostar Harry Reems übertragen Deepthroating Ruhm.

Für Sandy zogen die Produzenten Marie Osmond, Carrie Fisher und Susan Dey in Betracht Die Rebhuhn-Familie bevor er sich für den 29-jährigen Newton-John entschied, der zunächst vorsichtig war, die Rolle zu übernehmen. Eine unerfahrene Schauspielerin mit ein paar Flop-Filmen hinter sich (am unwürdigsten Sci-Fi-Truthahn der 1970er Jahre). Morgen) war sie, sagt Farrar, „irgendwie nervös, dass sie älter war als die Rolle“. Newton-John war auch besorgt, dass das Rückfallgenre ihrer gesunden, mit einem Grammy ausgezeichneten Popkarriere schaden könnte. „Ich war sehr besorgt darüber, einen weiteren Film zu machen, weil meine Musikkarriere gut lief“, sagte sie Eitelkeitsmesse im Jahr 2016, nachdem sie 1981 gegenüber Record Mirror zugegeben hatte, dass sie „große Angst hatte, meine traditionelle Anhängerschaft in den Staaten zu verlieren“, wo sie „fast eine Country-Sängerin“ gewesen war.

Travolta setzte sich jedoch für sie ein. „Sie hatte eine brillante Stimme, und ich hätte nicht gedacht, dass es im Universum eine richtigere Person für Sandy geben könnte“, erzählte er EitelkeitsmesseSie vergleicht ihr geniales Casting damit, Taylor Swift heute die Rolle zu geben. “Ich habe es nie aufgegeben.” Travolta nutzte seinen Einfluss auch zu seinem eigenen Vorteil. In der Bühnenproduktion wurde das Rock’n’Roll-Herzstück „Greased Lightnin’“ von Kenickie, dem bösesten Bad Boy der T-Birds, gesungen, aber Travolta kämpfte darum, derjenige zu sein, der in der Verfilmung für Furore sorgte. „Ich wollte die Nummer“, sagte er. „Und weil ich Schlagkraft hatte, konnte ich die Nummer bekommen.“

Farrar wurde groß Fett Pause, als Carr beschloss, die Romanze zwischen Danny und Sandy zu verstärken und eine kalifornische 50er-Atmosphäre heraufzubeschwören – Malzhütten, Palmen, Autokinos voller Autos mit Haifischflossen. Einige der weniger schmalzigen Songs der Bühnenproduktion wurden in den Hintergrund gestellt oder ganz weggelassen. Rizzos „Es gibt Schlimmeres, was ich tun könnte“ wurde fast gestrichen, bis Stockard Channing, der die Rolle im Alter von 33 Jahren spielte, Carr davon überzeugte, dass die Melodie das emotionale Herz des Films sei. „Allan war bei dem Song sehr wischiwaschi“, sagte sie. “Er hielt es für einen Wermutstropfen.”

Die Verschiebung erforderte eine Reihe neuer Songs. Barry Gibb wurde engagiert, um den Titeltrack zu schreiben, und Louis St. Louis und Scott Simon steuerten Travoltas Stranded-at-the-Drive-In-Ballade „Sandy“ bei. Newton-John schlug Farrar vor, sich an einem herzzerreißenden Zug für Sandy zu versuchen. „Sie brauchten einen Solo-Song für sie“, erinnert er sich. „Olivia schlug vor, dass ich versuchen könnte, es zu schreiben, also schrieb ich ‚Hopeless Devoted to You‘ und sie mochten es, also haben sie es eingefügt. Ich brauchte eine ganze Weile, um darauf zu kommen; Ich glaube, ich habe ungefähr drei Wochen damit verbracht, das zu schreiben. Was ich mit meinen Songs gemacht habe, war zu versuchen, den Stil der Fünfziger zu machen, ihn aber ein wenig auf den neuesten Stand zu bringen, was den Sound und das Arrangement angeht.“

Ein Teil der Berufung des Fett Der Soundtrack war in der Tat die Mischung klassischer Doo-Wop- und Rock’n’Roll-Songs aus den Fünfzigern in der bombastischen Post-Wall-of-Sound-Orchesterproduktion des Kinos der Siebziger. Aber für alle Beteiligten Fett war eine Art alltäglicher Auftrag. Gitarrist Jay Graydon, einer der Session-Musiker, die fünf oder sechs Tage lang in die Studios von Sunset Sound und Wally Hadler in LA gerufen wurden, um den Soundtrack auszuarbeiten, erinnert sich, dass er überrascht war, dass Farrar sein übliches Songwriting mit „mittlerem bis hohem IQ“ der Reihe nach herunterschraubte um das Projekt zu machen. „Ich sagte: ‚Dafür hast du es ein bisschen heruntergespielt, huh?’ Er sagte: ‚Hey Mann, es war wirklich schwer, dieses Zeug zu schreiben’“, erinnert sich Graydon. „Ich sagte: ‚Ich verstehe, du musstest es verdummen, aber das bist nicht du, du bist musikalisch’. Er hat nicht über das Geld hinaus geschrieben. Mit einer Hit-Platte, die nicht komplex ist, Leute wie John und ich, wollen Sie nicht über das Geld hinaus schreiben. Das ist die Linie.“

Bei der Produktion von „You’re The One That I Want“ fand Farrar jedoch auf dem Band eine echte Chemie zwischen seinem Star-Paar. „Als John für ‚You’re the One That I Want’ reinkam, war er anscheinend ziemlich nervös“, sagt er, nachdem er zu Beginn der Sessions eine Anspannung im Studio gespürt hatte. „Er war ein bisschen misstrauisch mir gegenüber, er kannte mich nicht, aber Olivia kam herein und hielt irgendwie seine Hand und er hat einen unglaublichen Job gemacht, sogar besser, als ich erwartet hatte. Er produzierte den kleinen Jodler in der Zeile „Du bist derjenige, den ich will“, den ich wollte. Es war ein ziemlich hoher Song, und er war großartig. Sie war großartig mit ihm. Ich weiß nicht, ob ich das ohne sie hätte durchziehen können.“

Wenn Fett bei seiner Veröffentlichung im Juni 1978 von Kritikern verrissen wurde, waren es letztlich die Songs – und vor allem die poplastigen neuen Melodien – die es zu einem Phänomen machten. Vor der Veröffentlichung stand Gibbs Titeltrack im Mai an der Spitze der US-Charts und „You’re the One That I Want“ war weltweit ein noch größerer Hit. Weitere Singles „Hopeless Devoted…“, „Summer Nights“, „Sandy“ und „Greased Lightnin’“ wurden schnell zu Familien-Disco-Hauptstützen und klassischen Radio-Favoriten, katapultierten den Soundtrack auf angeblich 28 Millionen Verkäufe und machten den Film bereits 1978 das erfolgreichste Filmmusical aller Zeiten.

Erfolg bedeutete nicht sofort Respekt. Farrar erinnert sich, dass „Hopeless Devoted…“ 1979 mit dem Oscar für den besten Originalsong ausgezeichnet wurde. „Ich denke, es wurde als ziemlich 08/15-Song angesehen und der Oscar wurde von ‚Last Dance‘ gewonnen. [from disco comedy Thank God It’s Friday], was damals angesagt war. Aber ich denke, jetzt ist der Song ziemlich glaubwürdig geblieben.“

„Diese Songs, die für den Film benötigt wurden, und die Szenen und die Bevölkerungsgruppe, für die sie gedreht wurden, es war perfekt“, sagt Timothy May, ein weiterer Session-Gitarrist auf dem Album. „Es hat irgendwie Spaß gemacht, aber es war gut gespielt und die Songs waren großartig. Sie lagen genau richtig.“ Sogar Graydon, der sich heute den Soundtrack anhört, ist überrascht über den „hohen IQ“ der Musik und stimmt dem zu Fett Soundtrack – die verchromten Fifties, mit Kraftstoffeinspritzung und vier Geschwindigkeiten bis zum Boden – verdient es, mit dem fliegenden Auto zur Soundtrack-Legende zu fahren.

„Es hält sich aufgrund dieses Schreibstils, dieses klassischen alten Doo-Wop, einfachen Rock’n’Roll“, sagt er und fügt hinzu, dass „Greased Lightnin’“ für einen einfachen Song mit drei Akkorden eine unerwartet komplexe Nummer ist. „Das Zeug hält. Das sind alles klassische Songs.“ A-gut-a-gut-a-gut-uh-huh.