„Entergalactic“-Regisseur Fletcher Moules über eine musikalische Erzählung und die Darstellung der „Hand des Künstlers“ in der Animation

Nachdem Regisseur Fletcher Moules frühe Demos von Kid Cudi gehört hatte, wusste er, dass er sich der Vision anschließen konnte, ein visuelles Album durch Animation zum Leben zu erwecken. Als animiertes Begleitstück zum gleichnamigen Album von Kid Cudi dient Entergalaktisch folgt dem Straßenkünstler Jabari (Cudi), der kurz davor steht, seine Kunst in Comics zum Leben zu erwecken. Sein Leben ändert sich, als er sich in seine Nachbarin Meadow (Jessica Williams) verliebt, eine Fotografin, die gerade eine Ausstellung veranstalten will. Für Moules war es wichtig, dass es sich bei diesem Special um ein charakterbasiertes Konzeptalbum und nicht um ein langes Musikvideo handelt. Daher waren die Geschichte und der Animationsstil entscheidend, um richtig zu sein.

TERMIN: Woher stammt das Konzept? Entergalaktisch komme aus?

FLETCHER MOULES: [Kid] Cudi hatte die Idee. „Entergalactic“ hieß einer seiner Songs von vor vielen Jahren auf einem frühen Album und er wollte seine Musik visualisieren. Wir saßen herum und er redete mit Kenia [Barris] über die Idee, dass man Musik auf eine andere Art und Weise veröffentlichen könnte. Lila Regen war ein wirklich gutes Beispiel dafür, dass Prince ein Album veröffentlichte, das auch eine Erzählung war. Diese Art von Konzeptalben gibt es schon seit langem, aber es gab noch keines, das sich wirklich auf die Geschichte konzentrierte und die Charaktere hervorhob. Das war etwas, was Cudi und Kenya Barris wirklich tun wollten, und so entwickelte sich das dortige Konzept tatsächlich zu einer Veröffentlichung neuer Musik mit einer dazugehörigen narrativen Geschichte.

TERMIN: Wurden die Songs vor dem Drehbuch fertiggestellt oder wurden sie parallel geschrieben?

MOULES: Irgendwie beides. Als der Schreibprozess begann, verfügte Cudi wahrscheinlich über sechs Demo-Songs, und das waren die vorgesehenen Erzählsongs. „New Mode“ bringt die Geschichte erst richtig in Schwung. „Willing to Trust“ und „Can’t Shake Her“ sind beide große Momente in der Geschichte, und es gibt noch einige andere. Und dann, als Ian [Edelman] und Maurice [Williams] Als die Autoren an Bord kamen, hatten sie diese Songs als Markierungen in ihrer Roadmap, wohin das Drehbuch gehen sollte. Das war mir so wichtig, weil ich das Produkt wirklich spüren konnte. Als Regisseur kam es so selten vor, dass man Musik hatte, die man von Anfang an spüren konnte, und das war ein großer Ausgangspunkt für mich und mein Team. Während wir daran arbeiteten, wurde uns wie bei jedem kreativen Prozess klar, dass wir auf dem Weg noch einige andere Dinge brauchten. Also würde ich zu Cudi sagen: „Hey, wir brauchen hier einen Moment, der sich so anfühlt oder so klingt.“ Und er kam mit einem weiteren großartigen Titel zurück, der genau dazu passte und das ganze Album wirklich vervollständigte.

FRIST: Wie stellen Sie sicher, dass der Fokus weiterhin auf einer musikgetriebenen Erzählung und nicht auf einem langen Musikvideo liegt?

MOULES: Ich denke, das ist die Einzigartigkeit von Entergalaktisch. Wir sind alle mit der genauen Vorstellung darauf gekommen, dass es wirklich einfach ist, daraus ein langes Musikvideo zu machen, und um ehrlich zu sein, hat der Großteil der Öffentlichkeit angenommen, dass dies das ist. So kam uns die Idee, eine analoge Liebesgeschichte zu machen. Es ging um zwei Charaktere, die bereit waren, die Liebe in New York City auszuprobieren und dabei sehr zeitgenössisch zu sein. Vor diesem Hintergrund wussten wir, dass es in erster Linie um die Musik ging, aber es ging uns auch einfach nur darum, eine Geschichte zu machen, die einen wirklich fesselte. Ich glaube, ein großer Plan, den wir hatten, war, dass Maurice Williams auf dem Rückflug von New York saß und zusah Als Harry Sally kennenlernte…, und er meinte: „Was wäre, wenn wir das als wichtigen Leitfaden verwenden würden?“ Daher war es enorm wichtig, solche Filme als eine Art Marker in unserem Prozess zu haben, und bedeutete auch, dass die Charaktere an erster Stelle standen und man engagiert war. Wie bei jedem Film, den man sich ansieht, aber besonders bei Animationen ist es so wichtig, den emotionalen Bogen zu verfolgen und sich emotional mit diesen Charakteren auseinanderzusetzen. Also haben wir es einfach so behandelt, als würden wir einen Animationsfilm machen.

TERMIN: Woher kommt dieser Animationsstil?

MOULES: Wenn ein Künstler ein Album herausbringt, ist es ein Kunstwerk. Sie drücken sich aus und man kann es lieben oder hassen, aber die Welt reagiert darauf. Und ich denke, dass dieses Gefühl der Emotionalität auf der Leinwand vorhanden sein musste, deshalb wollte ich sicherstellen, dass die Show wie ein bewegendes Kunstwerk aussieht und dass die Hand des Künstlers die ganze Zeit über auf der Leinwand ist und man die Unvollkommenheiten sieht. Die Konzeptzeichnungen waren keine Referenzen, die Konzeptzeichnungen waren die Show. Das ist etwas, was ich schon immer machen wollte, weil es so ausdrucksstark ist. Der Look entstand also, weil ich den Gesichtsausdruck des Künstlers die ganze Zeit auf der Leinwand sehen wollte. Das werden Sie im Design von allem sehen. Die Texturen des Malers, die sich auf der Haut befinden, und alle Highlights sind sogar von Hand gebürstet, also ist alles handgemalt und wir haben einfach versucht, den Computer auf Schritt und Tritt zu verstecken. Der Computer wurde offensichtlich als Werkzeug verwendet, um es zu erstellen, aber wir haben alle üblichen Dinge, die ein Computer bieten würde, wie Reflexionen und Schatten, ausgeschaltet.

Für uns war es eine riesige Aufgabe, das alles durch Gemälde zu ersetzen. Wenn sich also ein Highlight auf der Haut oder auf Glas befindet, werden alle Highlights in Photoshop von Hand aufgetragen und dann dort abgebildet, wo sich eine normale Reflexion befinden würde. Die Schatten und alle Falten in der Kleidung wurden von Hand gebürstet. Anstatt also einen Stoff in CG zu falten, würden wir uns ansehen, wie er sich falten würde, und das dann von Hand malen, um es nachzuahmen. Beim Animationsstil war die Art und Weise, wie sich die Charaktere bewegten, die gleiche. Zwei Menschen, die sich verlieben und sich ausdrücken, während sie in einem Restaurant in New York City sitzen, ist sehr real. Das haben wir alle gesehen. Wir mussten also sicherstellen, dass die Animation einen wirklich fesselt und man sich mit ihr verbunden fühlt. Die Animatoren mussten Hand für Hand durchgehen, wie Stop-Motion, und die Bilder so ausfüllen, dass man die Hand des Künstlers spüren konnte. Für manche Menschen fühlt es sich vielleicht abgehackt an, und das ist für mich eigentlich eine gute Sache, denn es fühlt sich an, als wäre es handgemacht. Es sollte sich wie eine Stop-Motion-Show anfühlen, auch wenn alles am Computer gedreht wurde.