Der ghanaische Künstler Larry Amponsah reflektiert in seiner ersten Ausstellung in den Vereinigten Arabischen Emiraten über schwarze Identität

Die Marktplätze von Accra mit ihrem Zusammenprall von Farben und ihrem symphonischen Treiben dienen als starke Inspiration für Larry Amponsahs Gemälde – vielleicht weniger in Bezug auf das Thema als vielmehr auf seine insgesamt collagenartige Herangehensweise an die Kunstform, aus der er Figuren zusammenfügen muss alten Modemagazinen sowie aus den Barbershops von London.

Der ghanaische Künstler feiert seine erste Einzelausstellung in den Vereinigten Arabischen Emiraten in der Lawrie Shabibi Gallery in der Alserkal Avenue. Die Ausstellung „The Soil From which We Came“ läuft noch bis zum 17. Februar und zeigt großformatige Gemälde voller gemischter Bilder, die wie Collagen zusammengefügt sind. Die Arbeiten konzentrieren sich auf zeitgenössische schwarze Kultur und Identität mit einem Bewusstsein für globale Interkonnektivität.

Collagen aus Brombeersträuchern, blühenden Blumen und Gemüse bilden Kulissen für Menschen, die mit Merkmalen modelliert sind, die scheinbar aus Werbung und anderen Medien gerissen wurden. Aus der Ferne scheinen die Arbeiten genau das zu sein – Fetzen überlagerter Bilder aus Modemagazinen.

Wenn die Zuschauer jedoch näher kommen, glänzt Amponsahs technisches Können als Maler. Sein Prozess dreht sich darum, die Kompositionen aus kleineren Collagen akribisch zu arrangieren, bevor er sie digital manipuliert, vergrößert und auf Leinwand malt.

Amponsah erwarb Abschlüsse in Malerei am Royal College of Art in London, der Jiangsu University in China und der Kwame Nkrumah University of Science and Technology in Ghana. Seitdem stand er auf der Shortlist für den Dentons Art Prize 2019 und gewann im selben Jahr den Be Smart About Art Award. Derzeit ist er auch Treuhänder des Kuenyehia Art Trust for Contemporary Art in Ghana.

„Collagen waren für mich ganz natürlich“, erzählt er Der Nationale. „Ich bin in Ghana aufgewachsen, das die schönste Marktszene hat. Meine Großmutter hatte dort einen Laden und ich verbrachte viel Zeit mit ihr. Sie verkaufte Kinderkleidung, aufwändige, die zu Weihnachten und anderen Feiertagen getragen wurden.“

Amponsah dachte nicht wirklich darüber nach, welchen Einfluss die Marktszene von Accra auf ihn hatte, bis er Künstler wurde.

„Ich konnte das irgendwie kontextualisieren [market] Raum und die Art von Dingen, die dort passierten, und borgte mir diese Ideen für meine Praxis aus“, sagt er.

„Marktplätze sind wie Collagen. Es gibt Hunderte von Autos, die zu verschiedenen Orten fahren. Sogar die Klangschichten, alle schreien und rufen. Außerdem kollidiert die Farbe. Menschen teilen Räume, treffen sich bei ihren täglichen Geschäften, verhandeln und versuchen einfach zu überleben. Es dreht sich alles um die Dinge, die wir tun, um grünere Weiden zu finden.“

Die Üppigkeit dieser ins Auge gefassten Orte dringt durch ein Durcheinander von Grün auf Amponsahs Leinwand. Strahlende Blüten, Beeren und Früchte sind in gezackten Formen angeordnet. Violett, Gelb, Rosa, Orange und Rot, gewürfelt und auf eine Weise zusammengesetzt, die visuell überzeugend ist und dennoch darauf abzielt, die Grundsätze der traditionellen Malerei zu brechen.

„Als ich meinen Master machte [in the Royal College of Art]war ich daran interessiert, meine Praxis so weit voranzutreiben, dass ich stolz darauf sein kann“, sagt Amponsah.

„Ich wollte sehen, wie meine Praxis einen Platz in der Geschichte der Malerei schafft, was mich dazu zwang, auf eine Reise voller Experimente und Ausgrabungen zu gehen. Ich habe mit Collage in vielen Formen experimentiert.

„Als gelernter Maler verpasst man vieles“, fährt er fort.

„Es gibt diese festgelegten Regeln in Bezug auf die Art und Weise, wie Farben aufgetragen werden sollten. Es gibt Komplementärfarben, analoge Farben und solche, die nicht zueinander passen. Auf dem Markt ist das anders, und das war auch für mich interessant.”

Dann gibt es die Modelle in Amponsahs Leinwänden. Die größeren Gemälde gehören zu den jüngsten seiner Werke und entstanden als Folge der Covid-19-Pandemie. Verschiedene Bewegungen in der Kunstgeschichte seien durch die Krise beflügelt worden, sagt der Künstler, und für ihn habe sie die Chance geboten, seine Praxis zu verändern.

„Ich wusste, dass es eine Chance für mich gibt“, sagt er. „Aber ich wusste nicht, was ich tun sollte. Ich hatte viele Zeitschriften, die ich aus Bibliotheken gesammelt hatte. Zeitschriften wie Mode und Harpers Bazaar und diese großen Modezeitschriften. Das sind die Menschen, die unser Interesse an Bildern prägen. Sie prägen die Art und Weise, wie wir uns kleiden möchten. Sie prägen unser Interesse daran, wo wir essen oder wohin wir in den Urlaub fliegen. Sie prägen uns.“

Als Amposah jedoch anfing, die Zeitschriften zu durchwühlen und nach Bildern suchte, die er collagieren konnte, fand er einen eklatanten Mangel an schwarzer Darstellung. Dies war eine kreative Hürde, insbesondere angesichts dessen, wie er wollte, dass seine Arbeit die schwarze Kultur, Identität, Politik und Geschichte widerspiegelt.

„Das waren alte Zeitschriften aus den Jahren 1990 bis 2005“, sagt er. „Die früheren hatten fast keine Schwarzen in sich. Sie waren diejenigen, von denen ich mehr hatte. Ich überlegte, was ich tun sollte, und kehrte zu einigen Dingen zurück, die ich als Künstlerin studiert hatte.

„Mir wurde klar, dass ich mir etwas von der Fotografie leihen kann. Wenn man etwas fotografiert, nimmt es tatsächlich etwas auf den Kopf gestellt und auch in der entgegengesetzten Farbe auf. Wenn man sich die Negative ansieht, liest es sich schwarz so weiß und weiß wie schwarz.“

Mit digitalen Mitteln begann Amponsah, die Farben von verschrotteten Zeitschriftenbildern zu scannen und zu invertieren. „Wenn es Weiße wären, würde ich es umdrehen“, sagt er. „Der einfache Akt, das zu tun, hat mir sehr geholfen.“

Zunächst begann Amponsah, Miniaturcollagen zu erstellen, da sie während des Lockdowns keinen Zugang zu einem Studio hatte. Das Hauptmotiv war, Tausende von ihnen herzustellen, obwohl er nicht wusste, zu welchem ​​Zweck.

„Aber eines Tages machte ich Arbeiten und dachte: OK, also machen die meisten Künstler Skizzen, bevor sie die Arbeit produzieren. Wie setzt man diese Collagen dann in Skizzen um? Und welche Möglichkeiten ergeben sich aus den Skizzen?“

Die großen Gemälde, die den Skizzen entsprungen sind, zeigen Models, die wie in einer Modezeitschrift posieren. Manche halten sich eine Handtasche an die Brust, andere haben eine Jacke über die Schulter geworfen. Einige rufen Freundlichkeit hervor, andere blicken rätselhaft unter gesenkten Hüten hervor. Die Gesichter dieser Modelle wurden als Summe vieler zerrissener Merkmale erstellt. Amponsah sagt, er habe viel Zeit damit verbracht, die Gesichter so zu arrangieren, dass sie Emotionen heraufbeschwören, die er im Sinn hatte.

„Alle Gesichter, die Sie sehen, sind sorgfältig und bewusst konstruiert“, sagt er. „Manchmal brauche ich sogar länger, um das Gesicht zu erkennen, als für alles andere.“

Außerhalb des Ausstellungsraums steht eine Skulptur, die thematisch mit Amponsahs Gemälden in Resonanz steht. Eine menschliche Figur mit collagiertem Gesicht erhebt sich aus einem Blumenarrangement in einer Installation, die die Welt des Künstlers aus der flachen Leinwand in die dreidimensionale Realität holt.

„Du kannst einfach um ihn herumgehen und spüren, wie er in diesem Raum bei dir ist“, sagt er.

An einer Wand des Ausstellungsraums sind dutzende kleine quadratische Leinwände kachelartig angeordnet. Das Projekt, das Amponsah „vor langer Zeit“ begonnen hat, zeigt auch Gesichter, aber im Gegensatz zu den Modellen, die durch das „Sampling“ von Zeitschriften und Modebildern des Künstlers heraufbeschworen wurden, basieren diese auf Menschen, die er in Barbershops in London getroffen und fotografiert hat , bevor er ihren Porträts seine eigenwillige Collage-Behandlung gab – diesmal unter Einbeziehung tatsächlich gedruckter Fotografien.

„Diese kamen aus dem Studium von Friseurläden und den Haarschnitten, die die Leute bekommen“, sagt er. „In Ghana, ja, aber jetzt, wo ich in London lebe, [it is] die meisten der schwarzen Barbershops afrikanischer und karibischer Abstammung. Ich verbrachte dort Zeit damit, Leute zu beobachten, die ein- und ausgingen, die Art von Gesprächen, die sie führten. Die Interessen, die sie teilen, und die Dinge, in denen sie sich nicht einig sind.“

In der abschließenden Nische der Ausstellung befindet sich eine Reihe von Gemälden, die die Geschichte und Politik der Schwarzen reflektieren. Die Figuren in den Gemälden stehen ähnlich wie die im Nebenraum posierenden und blicken ebenfalls mit erhobenen Gesichtern zum Betrachter zurück. Neben jedem von ihnen befindet sich eine mit griechischen Einflüssen gestaltete Säule. Jede zeigt jedoch ein anderes Objekt.

„Es geht nicht so sehr um die Zahlen in den Werken“, sagt er. „Es geht darum, was auf diesen Säulen platziert wird, und um die historische Darstellung der Säulen. Sie sind ein Symbol für Macht, Autonomie und Perfektion. Sie gehen auf die griechische Architektur zurück, aber selbst in England sind es nur wichtige Gebäude, die diese Säulen haben. Banken, Gerichte, Parlamente und so weiter.“

Eine Spalte präsentiert eine Reihe gestapelter Bücher mit Titeln auf ihren Rücken, die auf verschiedene Aspekte der schwarzen Geschichte hinweisen. Die Bücher, sagt Amponsah, seien frei erfunden und wolle er selbst schreiben.

„Das ist einfach meine Art, Menschen auf meine Ideen aufmerksam zu machen“, sagt er. „Sobald Sie einen Titel gelesen haben, beginnen Sie sich vorzustellen, was er enthält. Sie alle weisen auf ein bestimmtes Thema hin, das mich antreibt, insbesondere die Schwärze und die Arten von Gräueltaten und die Ungerechtigkeit, der viele von uns in der Vergangenheit ausgesetzt waren. Einige von ihnen feiern Erfolge, die daraus entstanden sind, wie die Einheit zwischen Schwarzen und Braunen in Räumen, die an der Peripherie liegen.“

Das zweite von drei Gemälden zeigt eine Säule mit einer darauf platzierten Schneekugel. Während Amponsahs Schneekugel oft verträumte Kulissen heraufbeschwört, enthält sie eine dunkle Realität. Ein Schwarzer hält seine Hände in die Luft, während ein weißer Polizist seine Pistole auf ihn richtet.

„Schneekugeln sind oft Orte, an denen man gerne sein möchte“, sagt er. „Aber hier ist es umgekehrt. Es ist ein Ort, an dem niemand sein möchte. Ich habe diese Arbeit gemacht, nachdem George Floyd gestorben ist. Neben der Kolumne steht ein Typ, der cool, gebildet, sachkundig ist und dem es gut geht. Es spricht davon, wie wir es immer noch schaffen, aus solchen Situationen herauszukommen.“

Das letzte Gemälde und seine Säule zeigen eine Sanduhr. „Die Sanduhr ist die Zeit selbst“, sagt er. „Eigentlich braucht man im Leben nur Zeit. Geduld ermöglicht es Ihnen, besser zu denken. Es ist ein Moment der Besinnung.“

The Soil From which We Came ist bis zum 17. Februar in der Galerie Lawrie Shabibi zu sehen

Aktualisiert: 29. Januar 2023, 14:01 Uhr