Sind Filme zurück? Endlich? Die Zeichen stehen auf Ja beim diesjährigen New York Film Festival, das vollgepackt ist mit angesagten Filmen, die die Leute während der gesamten Filmsaison begeistern werden. Unten ist ein Blick auf einiges, was kommt und was bereits da ist – beides ist exquisit Teer und die … weniger exquisit Dreieck der Traurigkeit kommen heute in die Kinos.
Teer
Es gibt großartige Leistungen, und dann gibt es die Art von Ballbesitz, die Cate Blanchett zeigt TeerTodd Fields erster Film seit 2006 Kleine Kinder. Blanchett spielt Lydia Tár, die Art von Superstar-Dirigentin, die ein Publikum beherrschen kann, indem sie sich hinsetzt New-Yorker Vorstellungsgespräch im Lincoln Center. Frühe Szenen belegen Lydias Besitz und Macht – während einer Vorlesung an der Juilliard School zieht sie einen schwarzen Studenten an, der sagt, er könne Bachs Musik aufgrund der Frauenfeindlichkeit des Komponisten nicht ernst nehmen. Die stille Virtuosität, die in der Szene gezeigt wird – wahrscheinlich etwa 20 Minuten, die alle in einer Einstellung festgehalten werden, während die Kamera in einer gemächlichen und tangentialen 180-Grad-Drehung durch den Hörsaal gleitet – lässt uns wissen, dass wir in den Händen von Meistern sind.
Für eine gute Weile, Teer lässt Lydia (und Blanchett) die Virtuosin sein, die sie ist, während sie sich auf die Aufnahme einer Mahler-Symphonie in Berlin vorbereitet und die Politik ihres Orchesters mit ihrer schonungslosen und strengen Herangehensweise an die Musik kontrolliert. Der Film weigert sich, ihre Arroganz und zwischenmenschliche Schroffheit zu verurteilen oder zu preisen – das ist ebenso sehr ein Produkt ihres hohen Status wie vielleicht notwendig, um ihn aufrechtzuerhalten. (In der oben erwähnten Interviewszene wischt sie jeden Hinweis weg, dass sie mit geschlechtsspezifischen Vorurteilen im von Männern dominierten Bereich des Dirigierens zu kämpfen hat.) Aber dann kehrt die Vergangenheit zurück, um Lydia heimzusuchen. Field stellt sicher, dass wir ihre Absage nur aus ihrer Perspektive sehen, und sie sieht nur einen flüchtigen Blick auf diejenigen, die gegen sie protestieren oder ihr Feedback geben. Verdient sie, was mit ihr passiert? Sind die Vorwürfe der „Pflege“ mit Homophobie gefärbt? (Lydias nüchterne Seltsamkeit ist nicht nur in Filmen im Allgemeinen selten, sondern speziell für eine Figur dieses Alters.) Was genau hat sie Anspruch darauf?
Gespräche über die Abbruchkultur stellen die Dinge so oft in extreme Begriffe, um diese Substack-Abonnements und Twitter-Likes zu bekommen; Sie sagen den Leuten genau, wie sie empört sein sollen. Aber Field führt den Diskurs wie eine Symphonie. Blanchetts verspielte Verkörperung von Lydia, die ihr Orchester mit Leib und Seele leitet, ist verblüffend. Für sie ist es nur ein weiterer Tag im Büro, aber wenn sie dafür nicht den Oscar bekommt, wird ein Raubüberfall stattgefunden haben.
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Das „emotional autobiografische“ Debüt von Charlotte Wells wurde in Cannes so inbrünstig gefeiert, dass ich im Rückblick auf diese Presse das Gefühl habe, einen anderen Film gesehen zu haben. ich fand Nach Sonne ein lebloser Zweihänder, der Vater Calum (Paul Mescal) und Tochter Sophie (Frankie Corio) im Urlaub in der Türkei darstellt. Sophie steht am Rande der Pubertät, und bestimmte Hinweise auf ihr Lernen durch Beispiele durch Begegnungen mit etwas älteren Kindern, die ebenfalls im Resort Urlaub machen, sind scharfsinnig und werden gut beobachtet. Ich dachte, der Film sei bestenfalls eine Sammlung netter Details. Aber wirklich lange passiert darin nichts, während Calum und Sophie am Pool sitzen, zu Abend essen, mehr sitzen und höfliche Gespräche mit Fremden führen. Ich meine nichts. Nichts passiert! Als dieses Nichts passierte, kam mir der Gedanke, dass sich der Film angesichts all des Lobes, das dieser Film erhielt, zu etwas aufbauen musste, das all die Banalität im Nachhinein ergreifend machen würde. Für einen Film, der so besessen von den Details des täglichen Lebens ist, war es umso enttäuschender, wenn er am Ende einen Schlag versetzte, um nur eine Tragödie anzudeuten, anstatt sie tatsächlich zu zeigen. Szenen, die die Trauerverarbeitung der erwachsenen Sophie oder was auch immer darstellen, die in einem Strobing-Club stattfinden, zaubern viel bessere Sequenzen hervor BPM und Morvern Callar. Nehmen Sie mich nicht beim Wort, aber was andere Leute in diesem Film über weiße Menschen sehen, die nur existieren, bis sie (vielleicht) nicht mehr existieren, ist mir ein Rätsel.
Endlich ein Film, dessen Titel hält! Die Frauen, sie reden. Viel. Sarah Polleys Adaption des Romans von Miriam Toews aus dem Jahr 2018 spielt in einer isolierten religiösen Gemeinschaft, die moderne Konventionen wie Technologie, Poly-Mischungen und die Bildung von Mädchen meidet. Wenn die Männer das Dorf für einige Zeit verlassen, um jemanden zu verteidigen, der eine der Frauen angegriffen hat, kommen die Frauen zusammen, um zu entscheiden, was sie mit ihrer kulturellen Notlage tun sollen: bleiben und gegen die Männer um die Macht kämpfen oder gehen. Der Caucus ermöglicht ein langes Philosophieren über Macht und hält die Aktion an einem Ort, um sie zu geben Frauen reden das Gefühl eines gefilmten Theaterstücks. Dies ist ein Film mit groben Zügen über eine buchstäbliche Vergewaltigungskultur (die Männer verteidigen einen Vergewaltiger, dessen Betäubung und Übergriffe auf eine einheimische Frau eine gängige Praxis sind), in dem eine Figur buchstäblich die Worte sagt: „Nicht alle Männer.“ Die Darbietungen sind stark – besonders die lebhaften von Claire Foy und Jessie Buckley – und das entsättigte Bild erweckt den Eindruck eines Regiefilms Vision. Dies ist ein Film, der seine Einsätze darlegt und Spannung in der Entschlossenheit seiner Charaktere für eine Lösung findet, eine ungewöhnlich artikulierte Aussage, deren Schluss mit dem übereinstimmt, was in Céline Sciammas vorgeschlagen wurde Porträt einer brennenden Dame: Utopie ist nur ohne Männer erreichbar. Die Begründung ist eisern.
In Ruben Östlunds Satire geht die Politik von oben/unten über Deck und bläst Deck, während die Reichen mit denen, die ihnen auf einer Kreuzfahrt dienen (sowie einigen Influencern, die zur Enthüllung eingeladen wurden), die Ellbogen reiben Dreieck der Traurigkeitder Anfang des Jahres den höchsten Cannes-Preis, die Palme d’Or, gewonnen hat. Traurigkeit ist um gute 45 Minuten zu lang (es kommt auf überschwemmte zweieinhalb Stunden) und ist Luis Buñuel zu verdanken (eine skatalogische Szene mit wohlhabenden Gästen, die die gastronomischen Kuriositäten verlieren, denen sie überall Scheiße serviert haben Bürgertum in dezidiert buñuelianischer Ausprägung) sowie Lina Wertmüller. Selbst wenn jemand nur die Handlung von zusammengefasst hat Weggefegt Für Sie konnte man in der zweiten Hälfte des Films sehen, wie die Leistungsdynamik gewechselt wird, nachdem eine Handvoll Kreuzfahrtteilnehmer mit etwas Hilfe auf einer Insel gespült wurde. Mit einem Bruchteil des Charmes kommt Östlund zu denselben exakten Schlussfolgerungen wie die Filmemacher, von denen er sich anlehnt: Reiche Menschen sind zu sehr von ihrer eigenen Groteske eingenommen, um irgendwelche praktischen Überlebensfähigkeiten zu haben. Doch so überflüssig und abhängig von der weit hergeholten Dummheit seiner eigenen Charaktere für seine Prämisse (niemand macht sich die Mühe, sich auf der Insel umzusehen, auf der sie gestrandet sind), habe ich diesen Popcorn-Arthouse-Film seltsam genossen, der in seiner Art gerade spezifisch genug ist Wiedergabe seiner Persönlichkeiten, um seine Politik absorbierend zu machen.
Und dann war da Knochen und alles, ein eleganter Film über Kannibalismus, bei dem man nicht wegschauen kann; Lesen Sie die vollständige Rezension hier.