Wie ihr unwahrscheinlicher Namensvetter hatten die Zombies seit ihrer Gründung durch den Keyboarder Rod Argent und den Sänger Colin Blunstone in St. Albans in Hertfordshire, Großbritannien, in den frühen 1960er Jahren mehrere Leben. Der erste britische Invasion-Act nach den Beatles, der mit „She’s Not There“ einen Chartstürmer in den USA landete, lösten sich die Jungs kurz vor der Veröffentlichung ihres bald Kult-Albums „Odessey and Oracle“ von 1968 auf. Diese Kollektion brachte mit „Time of the Season“ einen weiteren US-Hit hervor, den Al Kooper verspätet von Clive Davis von Columbia überzeugen konnte.
Seit der Wiedervereinigung von Argent und Blunstone als Zombies im Jahr 2004 hat die Gruppe vier Alben veröffentlicht, das neueste, das von Covid verzögerte „Different Game“ auf Indie-Cooking-Vinyl, das als Nachfolger des treffend betitelten „Still Got That“ von 2015 dient Hunger.”
Das Duo ist gerade von einer gefeierten Reise nach Austin für South by Southwest zurückgekehrt, wo sie mit dem Grulke Prize for Career Act (ihr Preis in Höhe von 10.000 US-Dollar wurde Oxfam America gespendet) geehrt wurden und die Premiere ihres karrierelangen Dokumentarfilms „Hung Up on a Dream“ (benannt nach dem Lied auf „Odessey and Oracle“) unter der Regie des Musikers Robert Schwartzman, Neffe von Francis Ford Coppola und Sohn der Schwester des legendären Filmemachers Talia Shire.
Blunstone, jetzt 77 – Bandkollege Argent ist 10 Tage älter – überlegt: „Natürlich war es fabelhaft, dass die Leute positive Dinge über uns sagten, aber seltsamerweise haben wir es selbst nicht gehört. Wir rannten herum und machten so viele Dinge, wir waren die Letzten, die davon erfuhren. Mit dieser Inkarnation der Band ist auf der Bühne mehr Energie als in unserer Teenagerzeit. Es ist ein unerwartetes Vergnügen.“
Die Aufnahme der Band in die Rock and Roll Hall of Fame 2019 durch Susanna Hoffs – in einer Klasse, die Stevie Nicks, Roxy Music, Radiohead, Janet Jackson, Def Leppard und The Cure umfasste – ließ lange auf sich warten, aber sie krönte zwei Jahrzehnte Tourneen und Sichtbarkeit wieder aufgenommen und eine Menge neuer Musikerbewunderer wie Dave Grohl und Robert Smith angezogen. Mit Schlagzeuger Steve Rodford (seit 2001), Gitarrist Tom Toomey (seit 2010) und neuestem Mitglied, Bassist Soren Koch (seit 2018), beinhalten die Shows der Zombies jetzt neuere Songs, die mit den klassischen Hits durchsetzt sind.
Die Zombies
ALEX SEE
Argent behauptet, heutzutage unterwegs zu sein, sei ganz anders als in den 60er Jahren. „Damals zu touren war eine echte Prüfung“, erklärt er. „Sie mussten Ihre eigenen PA-Systeme tragen. Ich erinnere mich, dass meine Hammondorgel auf dem Flughafenkarussell auftauchte, das war das Außergewöhnlichste. Und natürlich wurde es so verprügelt, dass es an diesem Abend nicht funktionierte.“
Die Zombies traten schon früh in Amerika auf. Wie ihre britischen Kollegen ließen sie sich von der Soul-Musik der Staaten inspirieren und coverten Kastanien wie „This Old Heart of Mine“ von den Isley Brothers und George Gershwins „Summertime“, bevor sie eigene Songs wie „She’s Not There“ schrieben, auf denen sie auftraten die allererste Folge der TV-Show „Hullabaloo!“ im Jahr 1965. Die Band war zuvor am 1. Dezember 1964 bei der Weihnachtsshow des berühmten DJ Murray the K im Brooklyn Fox in einer Besetzung aufgetreten, die viele ihrer Idole enthielt, darunter Chuck Jackson, Ben E. King, die Drifters und die Shirelles , die Shangri-Las, Patti La Belle & the Bluebells und Dionne Warwick. Im nächsten Jahr nahmen sie im April mit Del Shannon, den Shangri-Las, Tommy Roe und Mel Carter an Dick Clarks Caravan of Stars-Tour in Nashville teil.
„Wir waren sehr scharf auf US-Soul-Musik“, sagt Blunstone. „Früher, in unseren Semi-Profi-Tagen, waren wir als Zombies R&B bekannt. Die meiste Musik, die wir damals spielten, waren Coverversionen. Wir hatten keine Ahnung, Rod und [bassist] Chris White schrieb Songs bis zum Frühjahr 64, nachdem wir diesen Bandwettbewerb in Großbritannien gewonnen hatten. Als sie „She’s Not There“ und „Tell Her No“ herausbrachten, war niemand mehr überrascht als ich. Damit begann unsere Karriere.“
Das Album „Odessey and Oracle“ ist zu einem anerkannten psychedelischen Klassiker seiner Zeit geworden und wurde weniger als ein Jahr nach Brian Wilsons ehrgeizigem „Pet Sounds“, einem anerkannten Einfluss, veröffentlicht.
„Das Allererste, was ich auf ‚She’s Not There‘ geschrieben habe, war die Bassmelodie, die gegen den Grundton des Akkords ging, sowie die Gesangsharmonien, was Brian immer tat, besonders auf ‚Pet Sounds‘“, sagt Argent . „Als ich das hörte, wollte ich meinen eigenen Enthusiasmus entwickeln. Er erweiterte einfach die Leinwand dessen, was möglich war. Es hatte sehr klassische Formen und Gefühle und wunderbare Akkordfolgen, die für die damalige Popmusik nicht typisch waren.“
Strukturiert wie ein traditionelles Vinylalbum – mit 10 Songs, fünf auf jeder „Seite“ – beginnt „Different Game“ mit Argents Hammond B3-Orgelriff im Titeltrack, der an „A Whiter Shade of Pale“ und seinem eigenen Bach-inspirierten Riff erinnert , dieses aus einem Satz in „Messe in h-Moll“, erzählt die Geschichte aus der Sicht von jemandem, der zurückblickt und darüber nachdenkt, wie viel dunkler und bedrohlicher die Gegenwart im Vergleich zur Unschuld der Jugend ist.
Live im Studio aufgenommen, sagt Colin: „Wir wollten alle zur gleichen Zeit im selben Raum sein. Es gibt eine andere Energie im Studio, wenn ihr alle zusammen spielt.“
„Es war so ein Vergnügen, dieses Album zu machen“, fügt Argent hinzu, der das Projekt mit dem langjährigen Ingenieur Dale Hanson produziert hat. „Vor unserer Aufnahme in die Hall of Fame haben wir mehr als 60 Live-Gigs gespielt und konnten es kaum erwarten, diese Energie einzufangen. Wir wollten zu der Vorgehensweise von „Odessey und Oracle“ zurückkehren. Damals wollten Chris White und ich uns vor der Aufnahme unsere eigenen Vorstellungen davon machen, wie die Songs klingen würden. Und die einzige Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, den gesamten Prozess selbst in die Hand zu nehmen. Wir hatten Spaß.”
„Different Game“ beleuchtet die traditionellen Stärken der Zombies, vom gurgelnden Orgelsound und R&B-Soul von „Dropped Reeling & Stupid“, über die himmlischen Beach-Boys-Harmonien von „Rediscover“ (beeinflusst von Tourpartner Brian Wilsons „In My Room“), und die bekennenden Balladen „Run Away“ und „You Could Be My Love“ (ein Slam-Dunk-Hit, falls Adele jemals beschließen sollte, ihn zu covern), bis hin zum rockigen „Merry-Go-Round“ (komplett mit Honky- Tonk Piano) und den orchestralen Kammerpop von „I Want to Fly“ (eine Neuaufnahme von Blunstones erstem Soloalbum) zusammen mit seinem „The Sun Will Rise Again“, der Botschaft eines Vaters an seine Tochter.
„Wir fühlen uns gut, weil wir es wirklich tun, wie wir es immer getan haben“, sagt Argent. „Es geht nicht nur darum, Kohle zu scheffeln und ein bisschen Geld zu verdienen. Nicht, dass daran etwas falsch wäre. Gleichzeitig ist das nicht unser Hauptzweck. Du bekommst nur ein Leben, und du willst darauf zurückblicken, und trotz aller Fehler auf dem Weg hast du alles gegeben, was du konntest. Wir versuchen, mit der gleichen Aufregung zu schreiben und aufzutreten, die wir von Anfang an hatten. Es ist wirklich eine bezaubernde Sache, das zu tun, was man liebt. Die Verjüngung, die wir auf der Bühne bekommen, ist es wert, besonders von den jungen Leuten im Publikum.“
Wie der Dokumentarfilm zeigt, wurden die Zombies in den frühen Tagen von schlechtem Management und schlechten Entscheidungen geplagt, aber heutzutage befinden sie sich an einem viel besseren Ort, selbst wenn ihr Tour-Van in der Wüste von Arizona eine Panne hatte, wie auf dem Cover dargestellt des neuen Albums.
„Wir müssen jetzt absolut nicht arbeiten“, verrät Blunstone. „Zum ersten Mal in unserem Leben werden wir sehr gut geführt. Wir verstehen heute mehr darüber, wie das Geschäft funktioniert, als wir es damals taten. Am Ende ist es jedoch die Musikseite, die real ist. Jede Nacht geben wir alles, was wir haben. Wir gehen nie durch die Bewegungen. Es gibt eine direkte Linie, die von diesen frühen Tracks zu diesem Album führt. Die neuen Songs passen zu denen, die wir damals geschrieben haben.“
Blunstones engelhafte, gefühlvolle Stimme bleibt bemerkenswert intakt, was perfekt für Argent ist, der lacht: „Ich weigere mich, Songs in tieferen Tonlagen zu schreiben, als ich es in der Vergangenheit getan habe.“
Die vergangenen Jahre waren für das Paar ein wahrer Jungbrunnen. Dazu Blunstone: „Wir wissen beide, dass die Zeit kommen wird, in der wir körperlich nicht mehr dazu in der Lage sind, und ich weiß, dass wir ehrlich zueinander sein werden. Aber im Moment fühlen wir uns so gut wie nie zuvor.“
„Es ist, als wären wir in diesen paar Stunden auf der Bühne 18 Jahre alt“, fügt Argent hinzu. „Der einzige Unterschied ist jetzt, dass wir am Ende der Show zum Schlafen zurück ins Hotel gehen. Früher fing die Party gerade erst an.“