Ön einem sonnendurchfluteten Hügel über dem mittelalterlichen Dorf Saint-Paul-de-Vence im Süden Frankreichs gibt es einen Ort, an dem Sie Werke der großen modernen Künstler des 20. Jahrhunderts wie Chagall, Giacometti, Miró, Kandinsky, Calder und Braque außerhalb monolithischer Nationalgalerien in ihrem natürlichen Lebensraum sehen können. Hier befindet sich die Maeght-Stiftung, an deren Gründung viele der Künstler mitgewirkt haben. Bei ihrer großen Eröffnung 1964 war der Jazz-Star Ella Fitzgerald sang. In diesem Sommer feiert es seinen 60. Geburtstag mit zwei großen Neueröffnungen: einer Blockbuster-Ausstellung und einem atemberaubenden Anbau, der aus den Felsen unter dem ursprünglichen Gebäude gehauen wurde und dessen Glasfronten auf steile Kiefernwälder wie das Versteck eines Bond-Bösewichts blicken. Und es ist immer noch eine Familienangelegenheit.
Die verstorbenen Galeristen und Lithografen Marguerite und Aimé Maeght beschlossen, die Stiftung auf demselben Grundstück wie ihr Familienhaus zu errichten, teilweise auf Anraten von Georges Braque. Sie hatten ihren jüngsten Sohn Bernard 1953 an Leukämie verloren, und der Pionier des Kubismus schlug ihnen vor, um den Schmerz zu überwinden, sollten sie etwas Größeres in Angriff nehmen als sich selbst. Ihre erweiterte Künstlerfamilie trug ihren Teil dazu bei: Miró träumte von einem mit Skulpturen gefüllten Labyrinth für den Garten; Giacometti entwarf die Bänke, Lampen, Türklinken und Caféstühle; Braque konzipierte ein Fischmosaik für einen ruhigen Teich sowie ein Buntglasfenster für die Kapelle, das aus antiken Ruinen rekonstruiert wurde, die bei Ausgrabungen vor Ort gefunden wurden. Wenn man durch die Tore der Stiftung geht, fühlt man sich, als sei man durch ein Portal auf den Spielplatz der Künstler getreten.
Für Marguerite und Aimés Enkelin Isabelle war dies der Spielplatz ihrer Kindheit. „Von dem Moment an, als die Stiftung geschlossen wurde, war es unser Haus, es war unser Garten“, erinnert sie sich. Wir sitzen in der Bibliothek der Stiftung, in einem ehemaligen Gästehaus, das heute als Verwaltungsbüro dient, wo Isabelle Interviews gibt, angetrieben von einem stetigen Strom an Espresso und Zigaretten. „Wir spielten mit den Kindern von [Spanish sculptor Eduardo] Chillida, die Enkel von Miró … wir waren eine Gruppe von 20 Kindern. Es war fantastisch.“
Die neue Ausstellung – Matisse-Bonnard, eine Freundschaft – ist für die Anfänge der Familie als Galeristen relevant, denn Marguerite und Aimé Maeght waren damals mit beiden Künstlern eng befreundet. Während des Krieges begannen sie, Bonnards Werke in ihrem Haushaltswarenladen in Cannes zu verkaufen, ohne sich seines Status als Künstler bewusst zu sein. Als Aimé erfuhr, dass die Behörden hinter ihm her waren, weil er seine Druckerkenntnisse nutzte, um Papiere zu fälschen und Juden aus dem besetzten Frankreich zu vertreiben, schickte Bonnard ihn zu seinem Freund Matisse in die Berge, wo ihn niemand finden würde. „Bonnard fand in Aimé“, sagt Isabelle, „eine Art Sohn und außerdem einen sehr guten Lithografen.“ Bonnard nahm den jungen Maeght unter seine Fittiche – und ging nach dem Krieg nach Paris, um ihm beim Aufbau seiner ersten richtigen Galerie zu helfen.
In diesem Sommer wird die Stiftung private Privatvideos von Matisse und Bonnard zeigen, die Isabelles Vater Adrien Maeght gemacht hat, der mit 94 Jahren immer noch Vorsitzender des Stiftungsrats ist. „Wir haben Briefe von Bonnard und Matisse“, sagt Isabelle. „Wir haben Filme; mein Vater hat einen Film von Bonnard gemacht – den einzigen auf der Welt – und einen Film von Matisse bei der Arbeit. Es war kein Dokumentarfilm. Es war nicht professionell. Er war 14 und fragte Matisse einfach: ‚Darf ich meine Kamera hier hinstellen, während Sie ein Porträt meiner Mutter machen?‘ ‚Ja.‘“
Auch Werke aus der Familiensammlung werden ausgestellt, darunter eines von Bonnards Fan-Gemälden sowie „einige süße Zeichnungen von Bonnard, sehr süß, nie gezeigt … mein Vater mit einer Katze, meine Großmutter unter einem Baum, ein Porträt meiner Großmutter von Matisse. Sehen Sie, sehr süße, persönliche Dinge.“
Natürlich ist diese wunderschöne Traumwelt nicht perfekt – nichts ist perfekt. Als ich eine von Isabelles beiden Schwestern, Yoyo, erwähne, wird mir gesagt: „Sie ist im Moment nicht mehr Teil der Familie.“ Und der scheinbar mühelose Glanz der Stiftung ist harte Arbeit, um ihn aufrechtzuerhalten. Direktor Nicolas Gitton gibt mir Ende Mai eine Führung, als alles noch lange nicht makellos ist. Die neuen Räume und die Landschaftsgestaltung um sie herum sind noch nicht ganz fertig; Stürme haben Trümmer vom Dach zur Regenwassersammlung in die dekorativen Teiche gespült; der Himmel ist nicht makellos azurblau; und – sehr zu Gittons Verärgerung – versteckt sich hinter der Kapellentür eine Gießkanne. Er fotografiert sie mit seinem Telefon, um sich daran zu erinnern, den Gärtner später zu tadeln. Nicht, dass es mir aufgefallen wäre; ich war zu sehr damit beschäftigt, die Buntglasfenster und das riesige Kruzifix aus dem 12. Jahrhundert zu bewundern – ein Geschenk des verstorbenen spanischen Modedesigners Cristóbal Balenciaga. Aber Gitton arbeitet für die Maeghts, die eindeutig sehr pingelig sind. „Wir müssen der Öffentlichkeit zeigen, dass es perfekt ist“, sagt Isabelle. „Ich möchte kein Stück Papier auf dem Boden liegen haben. Das kann ich nicht.“
Der Künstler, dem Isabelle als Kind am nächsten stand, war Braque. „Er war wie ein dritter Großvater; ich liebte ihn“, sagt sie. Die Familie besuchte ihn jeden Freitag, aber sie war das einzige Kind, das sein Atelier betreten und in seinem Wohnzimmer auf Erik Saties Klavier spielen durfte. „Er war bezaubernd“, erinnert sie sich. „Er wirkte so groß, so elegant. Er liebte mich, und als er starb, sagte er zu seiner Frau, dass ich bei der Beerdigung dabei sein müsse. Ich war acht Jahre alt. Ich konnte es nicht glauben, dass Braque in der Totenbahre liegen konnte. Aber ich war dort, und es war eine nationale Beerdigung.“
Trotz dieser idyllischen Kindheit unter legendären Künstlern sagt sie, „Nostalgie ist keine gute Sache“. Heute arbeitet sie hauptsächlich mit zeitgenössischen Künstlern in der kommerziellen Galerie Maeght in Paris, die, wie sie sagt, „völlig getrennt“ ist. Ich frage mich, wie das Aufwachsen inmitten all dessen Isabelles eigene Philosophie geprägt hat. „Liebe, Liebe, Liebe“, sagt sie. „Nur die Kunst zu lieben.“ Und Braque lehrte sie, dass Kunst und Leben eins sind, was eine lebenslange Neugierde geweckt hat. „Schauen Sie sich in der Stadt um“, sagt sie. „Eine kleine Sache an einem Gebäude – die Farbe einer Tür, ein kleines Fenster – macht es großartig. Ich habe gelernt, hinzuschauen, eine Blume, eine Wand, ein Buch zu schätzen. Meine Philosophie ist, hinzuschauen, mich für alles zu interessieren. Für alles. Und so gibt es jeden Tag etwas Neues, eine neue Art zu verstehen, weiterzumachen, erwachsen zu werden.“
Eine Freundin ihrer Mutter sammelt Spinnweben. Sie besprüht sie mit Haarspray und fängt sie zwischen zwei Glasscheiben auf. „Das ist wie Diamanten“, sagt Isabelle. „Diamanten! Also ist es Kunst. Sie hat ungefähr 50 davon. Können Sie sich vorstellen, dass sie mit Glas in den Wald geht? Verrückt, aber es ist fabelhaft. Alles ist Kunst.“ Wenn sie Besucher im Louvre sieht, macht sie sich Sorgen, dass sie durch alles hetzen, anstatt anzuhalten und sich ein paar Gemälde wirklich anzusehen. Die Leute sind zu sehr darauf fixiert, den kunsthistorischen Kontext zu kennen, sage ich. Sie verdreht verzweifelt die Augen, weil so viele Leute den Kern der Sache nicht verstehen. „Das ist mir egal. Das ist mir egal!“
Aimé Maeght war ein begeisterter Ideengeber, der sich leicht mitreißen ließ. Nachdem er Disneys Fantasiewollte er etwas Ähnliches mit Matisse schaffen, aber sein Freund riet ihm sanft, aber bestimmt von dieser Idee ab. Auch Marguerite hielt ihn zurück, wenn es nötig war. „Mein Großvater hatte zehn Ideen in einer Minute“, sagt Isabelle. „Manchmal sagte meine Großmutter ja, oder manchmal: ‚Aimé, non‘. Und das war’s. Es war vorbei. Er hätte die Stiftung nie ohne meine Großmutter oder meinen Vater und meine Mutter gemacht. Denn alle arbeiten zusammen.“ Sie wuchs also mit großartigen weiblichen Vorbildern auf? „Absolut“, lacht sie kehlig.
Und als sie aufwuchs, habe es nicht nur männliche Künstler gegeben, sagt sie. „Germaine Richier, Joan Mitchell, wir haben viele Frauen … Barbara Hepworth – wir planen nächstes Jahr eine Ausstellung mit ihr“, sagt Isabelle über die verstorbene britische Bildhauerin. „Ich liebe diese Künstlerin.“ Die Unabhängigkeit, sagt sie, ermögliche es der Stiftung, wen sie wolle, auszustellen. „Barbara Hepworth ist in Frankreich völlig unbekannt. Es ist uns egal, ob ein Künstler sehr berühmt ist oder nicht. Wir lieben dieses Werk? Dieses Stück? Wir werden es ausstellen. Wir wollen unseren Besuchern zeigen, was die anderen Museen nicht zeigen“, zuckt sie mit den Schultern. „Wir bekommen nicht viel Geld vom Staat, aber das ist der Preis der Freiheit.“
Die Erweiterung war notwendig, damit ein ausreichend großer Teil der über 13.000 Werke umfassenden Dauerausstellung gleichzeitig mit Wechselausstellungen ausgestellt bleiben konnte. Sie fanden den italienischen Architekten Silvio d’Ascia auf eine für die Familie typisch scheinende Art und Weise: Er wurde Isabelle Maeght durch den Sohn des spanischen Künstlers Eduardo Arroyo Rodríguez vorgestellt. D’Ascias Pläne waren einfach. „Er sagt, wir müssen nichts hinzufügen, wir müssen entfernen“, sagt Isabelle. Arroyo machte sich daran, das Originalgebäude des katalanischen Architekten Josep Lluis Sert (der auch die Miró-Stiftung in Barcelona entwarf) scheinbar unberührt zu lassen, einschließlich der mit Terrakottafliesen ausgelegten Giacometti-Terrasse. Sie liegt direkt über dem neuen Teil mit seinen riesigen, spindeldürren Figuren, die prächtig umherstolzieren. „Es ist genau dasselbe“, höre ich eine aufgeregte Familie einander zurufen, während sie staunend auf und ab geht.