Ghibli-Alumnus Yoshiaki Nishimura präsentiert neuen Trailer für „The Imaginary“ und erklärt die umfassendere Vision hinter Studio Ponoc Mehr von Variety Beliebteste Must Read Abonnieren Sie den Variety-Newsletter Mehr von unseren Marken

Die animierte Odysee „The Imaginary“ kommt am 5. Juli auf Netflix ins Kino und folgt einem jungen Mädchen und ihrer unsichtbaren besten Freundin. Die Geschichte beginnt auf einem Dachboden, wo die trauernde Amanda mit ihrem fiktiven Kumpel Rudger Fantasiegeschichten ausheckt, bevor sie sich in unzählige magische Länder ausbreitet.

Das handgezeichnete Juwel ist der zweite Spielfilm des japanischen Studios Ponoc – ein Unternehmen, das von Veteranen des Studio Ghibli gegründet und besetzt wird. Unter ihnen sind der Regisseur des Films, Yoshiyuki Momose, und der Produzent/Drehbuchautor/Gründer von Ponoc, Yoshiaki Nishimura, der mit Vielfalt beim Annecy Animation Festival, wo „The Imaginary“ im Wettbewerb läuft.

Wie haben Ihr Hintergrund und Ihre Berufserfahrung Ihre Vision für Studio Ponoc geprägt?

Ursprünglich habe ich in den USA Realfilme studiert. Aber ich war fasziniert von der universellen Kraft der Animation und davon, wie ein Film Resonanz finden kann. Unabhängig von Sprache und Nationalität konnten Kinder auf der ganzen Welt dasselbe Animationsstück genießen, und das fand ich wirklich sehr beeindruckend. Ich glaube immer noch fest daran, dass ein einziger Film eine ganze Generation ansprechen und 10 bis 20 Jahre lang nachhallen kann.

Ich begann in der Marketingabteilung von Studio Ghibli, bis eines Tages, völlig aus heiterem Himmel, [Ghibli co-founder] Toshio Suzuki sagte mir, dass ich einen Film mit Isao Takahata machen würde. Ich bin mir sicher, dass das ganz anders ist als das amerikanische Modell, aber anfangs verbrachte ich über einen Zeitraum von vier bis fünf Jahren jeden Tag mehr als 12 Stunden mit Isao Takahata, immer und immer wieder. Und dieser Prozess führte schließlich zu einem Spielfilm. Dabei habe ich gelernt, wie man etwas von Grund auf neu erschafft, denn der Prozess war sehr darauf ausgerichtet, unser tägliches Leben mit unseren Gedanken und Ideen zu erkunden und zu verbinden. Das war eine tolle Lernkurve und ich arbeite heute noch genauso.

Welche Gedanken und Ideen sind in diesen Film eingeflossen?

Meine Kinder sind immer in meinen Gedanken. Ich frage mich ständig, was sie in einem bestimmten Moment denken könnten. Mit welchen Problemen sind sie konfrontiert, welchen Situationen könnten sie ausgesetzt sein und wie sehen sie die Dinge? Die Welt hat sich in den 20 Jahren, seit ich angefangen habe, Filme zu machen, und in den 40 Jahren seit meiner eigenen Kindheit so sehr verändert. Also frage ich mich: Was werden sie überwinden müssen? Was wünsche ich ihnen?

Diese Fragen sind für das Studio selbst ziemlich grundlegend.

Studio Ponoc produziert hauptsächlich Filme für Kinder. Wie Sie vielleicht wissen, schrumpft die Bevölkerung Japans, und die Zahl der Erwachsenen ist deutlich höher. Daher haben sich viele Animationsstudios auf ein breiteres Publikum konzentriert. Das ist der Hauptunterschied zwischen den beiden Märkten, denn ein Großteil der im Westen produzierten Animationen ist für Kinder gedacht, während das in Japan nicht so sehr der Fall ist. In gewisser Weise ist Studio Ponoc dadurch nicht im Mainstream, und das ist auch unsere Motivation. Wir möchten, dass Kinder unsere Filme als einen Schatz betrachten, an dem sie Freude haben. Wir möchten, dass Kinder Studio Ponoc vertrauen und wissen, dass wir Filme für sie machen. Wir sehen uns selbst ein bisschen wie Rudger – wir sind wie ein imaginärer Freund und Verbündeter für ein Kind, das Probleme hat.

Was hat Sie dazu bewogen, ein englisches Buch zu adaptieren?

Das Konzept des imaginären Freundes ist in der japanischen Gesellschaft nicht sehr verbreitet, also musste ich wirklich nach einer Geschichte suchen, die diese Idee erforscht. Gleichzeitig war die nationale Herkunft keine große Sache. Ich lese immer Geschichten aus den Vereinigten Staaten, Japan, Deutschland und Korea, ohne darüber nachzudenken, woher sie stammen – ich lese sie natürlich alle auf Japanisch, aber trotzdem. Ich bin eigentlich zufällig auf dieses Buch gestoßen, und die Tatsache, dass es britisch war, hatte keine große Bedeutung. Es hätte genauso gut in Polen oder Portugal oder Spanien spielen können; mir war nur wichtig, dass es die Ideen verkörpert, die ich im Sinn hatte.

Wie hat das Buch Ihren eigenen kreativen Prozess inspiriert?

In dem Buch werden so viele verschiedene Orte erwähnt, manchmal nur beiläufig, als Einzeiler oder mit einer kleinen Illustration von Emily Gravett. Beim Lesen wurde meine eigene Fantasie angeregt, und das wollte ich unbedingt beibehalten. Erwachsene beobachten und analysieren mit ihrem erwachsenen Gehirn, während das Gehirn von Kindern völlig anders funktioniert. Ich wollte diesen Mangel an kohärenter Logik einfangen. Die Fantasie von Kindern ist zerstreuter, unsinniger; sie kann überallhin abschweifen, manchmal nach Venedig und dann in den Weltraum. Das ist auch der Grund, warum ich den Film in Japan angesiedelt habe – nicht, weil ich das Land oder so präsentieren wollte, sondern nur, weil manche Kinder von Japan träumen! Die Erzählung musste keiner geraden und logischen Linie folgen.

Sie haben diese fantasievollen Höhenflüge auch auf den Stil des Films übertragen.

Ich habe das Gefühl, dass die moderne Animationsbranche an ihre Grenzen gestoßen ist. Filme von Studios wie Pixar und Warner Brothers sehen alle fantastisch aus, aber sie sehen sich in gewisser Weise auch ziemlich ähnlich. Wir haben vielleicht einen Sättigungspunkt erreicht, während es noch viele andere Stile zu entdecken gibt, und das gilt weltweit. Die gesamte Branche muss auf seine Herausforderung reagieren. Zum Beispiel funktionierte der traditionelle japanische Anime wirklich mit einem sehr festgelegten Stil mit einem festen Hintergrund und all dem. Aber Isao Takahata hat immer versucht, über diese traditionellen Formen hinauszugehen. Er war immer auf der Suche nach etwas Neuem, und ich habe versucht, diese Fragen auf meinen eigenen kreativen Prozess anzuwenden.

Ich habe diese französische Technik der Licht- und Schattentextur bei der Arbeit an „The Imaginary“ entdeckt. Ich wusste sofort, dass wir sie für den Film verwenden mussten, obwohl wir schon mitten in der Produktion waren! Ich wusste, dass sie unseren Stil voranbringen, etwas anderes bieten und den kreativen Prozess bereichern würde. Ich fordere meine Filmemacher immer auf, jede Produktion anders zu gestalten, und ermutige sie, sich Herausforderungen zu stellen.

Das Wort „Ponoc“ bedeutet „Mitternacht“ – es könnte Kontinuität oder Veränderung bedeuten. Was trifft besser auf Ghibli zu?

Studio Ghibli ist Teil meiner Geschichte; ich konnte nie davor weglaufen und es voll und ganz annehmen. Ghibli wurde von einem gemeinsamen Glauben an positive Veränderungen angetrieben; jeder, der dort arbeitete, glaubte aufrichtig daran, dass ein Film die Welt verändern könnte. Dieser Glaube leitete die Entstehung von „Die Legende der Prinzessin Kaguya“ und „Meine Liebe Marnie“ und leitet auch heute noch meine Arbeit. Und als Ghiblis Produktionsabteilung geschlossen wurde, [in 2014] Ich fühlte, dass es meine Verantwortung war, weiterzumachen. Man könnte sogar sagen, es war mein Traum. Mein Maestro, Isao Takahata, sagte, dass Studio Ponoc die letzte Bastion der abendfüllenden Animation werden könnte, und Miyazaki-san war auch sehr ermutigend. Daher bin ich begeistert, dass „The Boy and The Heron“ so gut läuft.

Können Sie Ihre Partnerschaft mit Netflix näher beleuchten? Gilt sie für eine bestimmte Länge oder Anzahl von Filmen?

Es ist schwer zu sagen, wie lange oder für wie viele Filme wir diese Partnerschaft aufrechterhalten werden, aber ich habe Netflix sehr deutlich gesagt, dass ich nicht möchte, dass wir allein aufgrund eines Films beurteilt werden. Die Zuschauer können sich also darauf freuen, unsere zukünftigen Filme auch auf Netflix zu entdecken. Davon abgesehen, [this is a distribution deal]; wir sind immer noch ein kleines Studio und die Finanzierung erfolgt separat. Wenn Netflix jedoch anbieten würde, die Mittel zu verdoppeln [for a production deal] dann würden wir wahrscheinlich ja sagen.

Was können Sie uns über diese zukünftigen Projekte erzählen?

Wir sind bereits mitten in der Produktion von Hiromasa Yonebayashis nächstem Film. Das Setting ist etwas, das man so noch nie gesehen hat – es ist sehr aufregend.